flores caras

rojo

2012-01-12T11:23:00.001+01:00

Hay que prometerse mil veces eso de empezar, asir la vida; empuñarla como se empuña un lápiz rojo para vivificar un dibujo. Hoy, otra vez, me propongo empezar, empezar mil cosas.

Esta es una de las frescas pinturas de la familia Beerhorst.

Quienes, por cierto, son una gente rara y encantadora.

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hay cosas mías que sólo quiero que tengas tú

2011-12-02T16:00:00.001+01:00

Ese es el fabuloso título de un entrañable dibujo que se expuso en La Fresh Gallery -Madrid- y que puedo contemplar muy de cerca y muy a menudo -la compradora es amiguísima mía- desde el pasado febrero. Ahora me sorprenden estos turgentes corazones de cerámica que piden a gritos ser llevados contigo, sostenidos tiernamente, custodiados celosamente en el mejor anaquel de casa.

Porque Aitor Saraiba ha tenido la fantástica idea de llevar a cabo una serie limitada -en colaboración con Cerámicas Talavera- de piezas decoradas a mano según la técnica tradicional del lugar. En ellas se reproduce fielmente el trazo algo tembloroso y aniñado -por el que nos hicimos devotos-, y hasta la caligrafía de eterno adolescente con que el artista siempre acompaña sus livianos dibujos.

No puedo estar más en sintonía con la iconografía de corazones, cruces y calaveras, un verdadero panteón de símbolos de nuestra cultura en la que reinventar desde los iconos sagrados hasta la idea romántica del tatuaje. Sólo me queda decir que quiero ese corazón. Por pedir...

A lo mejor apetece ver más cosas de Aitor Saraiba.

el dibujo en cuestión...

blancos y rotos

2011-12-02T00:20:00.000+01:00

Siempre he admirado a los artistas capaces de trabajar la gama de los blancos: desgastados, parduzcos, crudos, rotos, nórdicos de aire azulado, evanescentes, grisáceos... En esta acuarela de Blok! igual podemos asistir a un desvaimiento, que a un desvanecer; o a todo lo contrario, a la densificación -¿existe esa palabra? El corrector ortográfico lo pone en duda-, a la aparición. De lo visible y lo invisible.

Me gusta imaginarme parte de esa nubosa multitud, en mitad de dos umbrales, con un pie entre la muchedumbre y otro en la deliciosa soledad. Consciente de todo y ausente.

Éste es el sitio de Blok!

Me gusta lo que hace... Santiago Salvador

2011-11-30T11:25:00.000+01:00

Y me gusta básicamente por esa cualidad para transformar el trasunto pictórico en una especie de código cercano a la idea de pictograma, esquematizando el sujeto figurativo (comúnmente figuras humanas reducidas a su esencialidad, privándolas de brazos o dejándolas en un busto) y repitiéndolo modularmente hasta desposeerlo de un significado identitario. Trabaja la composición en estado puro, mediante una declarada afección por cualidades rítmicas y estructuradas en gradaciones. Finalmente se consigue una especie de efecto coreográfico, muchas veces inscrito en la órbita del op-art.

Me gusta el estilo super-flat de los fondos, así como el método de trabajo, que adivino especialmente artesanal. Debe resultar una especie de mantra, como los dibujos de Juan Carlos Bracho, algo así como una herramienta para encontrar el silencio, y poder verter en él esta música cromática.

en el estudio, en plena sesión de trabajo.

Aquí pueden ver más obra suya.

mi escritorio

2011-11-05T13:30:00.000+01:00

Hoy me he llevado una grata sorpresa. Han añadido mi escritorio principal en una original base de datos de escritorios creativos: Desk, where creativity is born. Se muestran unas cuantas imágenes de mi flickr donde enseño las maravillosas tablitas de mi artista favorito, Guillermo Martín Bermejo, que están ahí siempre inspirándome. La web tiene muchísima gracia, y permite navegar de uno a otro escritorio con fluidez, concediéndole un sitio espléndido a los lugares de trabajo de los creativos. Desde aquí, muchas gracias.

La página en cuestión.

Mi escritorio en la base de datos.

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microformato en Albareda 11

2011-11-04T21:45:00.002+01:00

Albareda 11 es una suerte de espacio expositivo en Sevilla de esos que escasean: delicado, íntimo, de iniciativa particular y desasistido de las maquinaciones de las galerías de arte. Sus ángeles de la guarda son dos artistas afincados en Sevilla que tienen allí su estudio -Felipe Ortega Regalado y Sandra Carvalho- y facilitan el acceso con la puerta entreabierta.

Microformato, la exposición que ha tenido lugar este octubre y que me he perdido, ostenta la osadía de presentar a las piezas sin autoría, despojados de las etiquetas, las hojas de sala y las presentaciones onerosas. El leitmotiv, no sobresalir del A5. Tan enamorado como vivo del arte pequeño -escueto en dimensiones, grande de corazón-, sólo puedo lamentar no haber estado.

fotografías de Albareda 11.

Los de Albareda 11 tienen un blog.

Y qué decir de uno de los dos cerebros de Albareda; sus dibujos no son sino un blanco al que lanzar alguna vez mis dardos.

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rainy day

2011-10-22T11:32:00.000+02:00

"Rainy day bokeh", de Mike Baldwin.

Llueve en estos momentos; doy la bienvenida al otoño descorriendo cortinas y estores, dejándome empapar por el tamiz de esta deliciosa luz grisácea. Me siento rodear por la lluvia. Escucho Coldplay, "Mylo Xyloto".

Homosexuellen Denkmal

2011-10-14T18:56:00.000+02:00

Muy cerca del Holocaust Denkmal, prácticamente en el borde del Tiergarten (un inmenso parque urbano que hay que recorrer sí o sí, y si es posible escuchando a Rufus), se ubica el discreto monumento que el gobierno alemán decidió alzar a la memoria de los homosexuales perseguidos durante el nazismo. El grave monolito de hormigón queda muy lejos de la idea de escultura decorativa para embellecer los lugares públicos; es más, refleja cierta idea de vergüenza, por cuento se presenta escorada y bajo la sombra, casi escondida en un lugar furtivo bajo los árboles. Como si claudicara ante un mundo que da la espalda a quienes, sin poder evitarlo, sienten de manera diferente: Diferente al menos respecto al noventa por ciento restante de la población.

Fueron los artistas Elmgreen & Dragset, que han basado la práctica totalidad de su carrera artística -o al menos las obras más influyentes de ésta- en un discurso algo hermético sobre la homosexualidad, los que recibieron el honor de plantear el proyecto finalmente realizado. El paralelepípedo de cemento presenta casi todas sus caras absolutamente compactas, salvando una escueta oquedad en el muro por el que naturalmente se accede al monumento caminando. El borde de este ventanuco, asfixiante en su concepto mínimo, se haya siempre desgastado por el lógico roce de todos aquellos que hemos visitado el lugar y nos hemos arrimado a vislumbrar el interior.

Una vez allí, desposeídos de todo rubor, ajenos al ruido del tráfico que queda algo apartado -y que en Berlín es práticamente anecdótico-, se presencia el beso. Una secuencia de vídeo bastante atemporal de dos hombres que se susurran cosas al oído, sonríen, son ajenos a los demás por un instante y sellan sus labios. Algo tan sencillo y prohibido en tantas latitudes, que puede costar la vida en medio mundo. Al apartarse del hito, consciente de que se ha producido un lapso invisible en el que ha quedado irremisiblemente encerrada la dignidad, se respira despacio.

Muy cerca, como ya hemos dicho, se encuentra el Holocaust Denkmal.

Listening: Tiergarten- Rufus wainwright

hoy sí que es viernes

2011-10-14T14:22:00.000+02:00

"Long green goofer", de Dave Warnke. Artista callejero que trata de repoblar la tierra con sus siempre ojiabiertas criaturas, mediante stickers y pintadas. Me encanta este ciempiés con botines y doscientos dientes, alegrándole la existencia a los usuarios del parking. Echen un vistazo a sus bichejos y personajes bizarros mientras escuchan Thousand feet underground, de Frank du Bomb. No estaría mal hacerse una idea completa mirando aquí, aquí y aquí.

Mira la foto en todo su esplendor.

Para ver más de Dave Warnke...

es martes... aunque parece viernes

2011-10-11T22:20:00.000+02:00

La fotografía pertenece a Björn Amherd, y se trata de un diminuto paisaje urbano elaborado con pequeñas piezas de madera de esas que venden en Muji emulando diferentes ciudades del mundo. Como Tokyo, Tokyo en una bolsa. Cuando viaje a Japón me aseguraré de escuchar durante el vuelo este tema principal de "2046", película de Won Kar Wai.

Mira la foto en todo su esplendor.

¿No conocen Muji? deberían.

es viernes

2011-10-07T21:25:00.001+02:00

"Evadiéndome". Una fotografía de alguien a quien admiro, Antonio Lobo.

Le sigo desde que descubrí su trepidante blog sobre arte contemporáneo ("Quiero ser galerista"), verdadero diario de sorpresas que ostentaba un gusto exquisito y un atinado sentido perceptivo de lo que brilla. Un día el cauce desenfrenado de aquella bitácora colapsó; y Antonio dejó de lado esa aventura sumiéndose quizá más de lleno -si cabe- en el coleccionismo.

Lo que afortunadamente no ha dejado es su flickr, atinado diario de vivencias, viajes, obras de arte de las que se enamora y cada hallazgo gastronómico del que disfruta. Entre otras, esta es de esas imágenes a las que regreso, por su calma encontrada, su luz queda y su frialdad apenas interrumpida por la naturaleza en un reducto, un breve asalto de vida.

Me parece muy apropiado acompañarla de esta canción de Anthony & the Johnsons: "Hope there´s someone".

Mira la foto en todo su esplendor.

Lléguense, si no lo conocen, al extinto blog que mencioné al principio de esta entrada. Quién sabe, quizá un día lo retome...

Vean también su flickr, y no dejen de merodear por su "small apartment" y su colección de arte.

Holocaust Denkmal

2011-10-05T22:35:00.002+02:00

Al preparar un primer viaje a Berlín, se acaba leyendo por todas partes acerca de lo imprescindible que se hace visitar el Monumento a los Judíos Asesinados en Europa, más comúnmente conocido como Memorial del Holocausto. Dos mil setecientos once bloques de hormigón esparcidos según una retícula hipodámica en una manzana de dimensiones suficientes como para marear a cualquiera.

En la marea gris de bitácoras y redes sociales de viajeros, que están acorralando a las guías de papel, la muchedumbre proclama el inevitable sentimiento de angustia provocado por esos monolitos, la ansiedad palpable. El desplome de nuestra alma bajo la losa de lo sublime, que se manifiesta ante nosotros en forma de pseudolaberinto. Y se describen ciento y una sensaciones más de desasosiego, tristeza, vergüeza... Pero me da que todas esas emociones afloran ante la sugestión previa, si es que acaecen. Porque al llegar allí sorprende el griterío de la chiquillería, el juego de los turistas que recorren el lugar como una feria, la intuición del ajeno que ha reinterpretado ese espacio como hábitat de lo lúdico, amén de magnífico escenario de fotografías. Nada más vulgar que recostarse sobre una de las lápidas y posar como la venus de Urbino... Pero ocurre.

O quizá debiera desasirme de todo lo estudiado previamente, olvidar que un memorial deba honrar a las víctimas desde la conciencia de la masacre, desde la profunda melancolía. Y pensar que, probablemente, estamos en una sociedad que ha superado aquel rencor viejo de naftalina, y puede pasear despreocupadamente por el cementerio ilusorio de millones de vidas rotas. Será eso. Y entonces podría concluir que, sin querer, le han dado al memorial un cariz de parque temático. Sin querer, obviamente.

Es uno de los problemas de este afán moderno de asignar a las abstracciones más primarias contenidos tan ambiciosos. Un bosque de menhires contemporáneos puede recordar a una necrópolis, puede aludir a la barbarie. Sí, pero también puede ser el entretenimiento perfecto para una tarde de verano.

Quién se lo iba a decir a Peter Eisenman y Buro Happold, sus artífices.

Fotografía y vídeo de Pedro Alarcón. Pueden ver más imágenes del Holocaust Denkmal aquí.

Esta es la web del monumento.

Otra entrada del blog sobre arte público y pureza de volúmenes.

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Me gusta lo que hace... Usoyang

2011-10-05T00:09:00.000+02:00

¿Se podría tener más delicadeza con un teléfono y una aplicación de filtros accesibles a cientos de miles de personas? No tiene sentido que me extienda mucho. Emborronaría esta belleza sutil.

No está de más pasarse por su carpeta para ver todo lo demás. O buscarla directamente en Instagram y agregarla como contacto para seguirla desde ahora y para siempre. ¿No tienes la aplicación?

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en un desierto de Nevada

2011-10-04T07:17:00.000+02:00

"Salomón y la Reina de Saba". Guillermo Pérez Villalta.

Suele ocurrir que la manera en que nos enfrentamos al arte varía sustancialmente a partir de la propia experiencia. A principios del verano, recién inaugurada la gran exposición "Las metamorfosis y otras mitologías", de Guillermo Pérez Villalta, en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, tuve una sensación muy cercana al empalago que ya había experimentado hace unos años en otra expo que hizo este pintor tarifeño en la Galería Soledad Lorenzo de Madrid. A Pérez Villalta le tenía más estima artística en otra etapa de dibujo menos surrealista y menor filiación estética hacia la ilustración infantil. De aquél Pérez Villalta queda la afición por las tramas modulares, las perspectivas forzadas y la veneración de los clásicos. Pero se le han sumado, en mi opinión, demasiados ingredientes decorativos, constituyendo ahora una suerte de virtuosismo técnico que suele degenerar en un barroquismo delirante y a veces hortera.

Este fin de semana regresé al museo para ver de cerca el cartelón de la Bonvicini -arte verbal conceptual donde los haya-, y me tomé a Pérez Villalta con algo más de respeto, quizá porque iba acompañado de otro par de ojos que me asían del brazo de la memoria y me hacían despertar otros intereses. Fue cuando volví a mirar este lienzo; "Salomón y la Reina de Saba"; con todos y cada uno de los condicionantes peyorativos que le había asignado.

Pero se produjo la magia. En el lapso del verano, mi retina se había apropiado ya de una retahíla de imágenes fotográficas descubiertas azarosamente en unos de esos vagos deambulares por la red. Fotografías que uno de mis contactos de Flickr -K239, no he podido constatar un nombre real para este avatar de aspecto totémico- había colgado a colación de su estancia en el efímero festival Burning Man 2011. Para todos aquellos que no lo conozcan, diré que se trata de un macroevento pseudoartístico en mitad del desierto de Black Rock, en Nevada. Allí se erigen majestuosas -las más de las veces- y extrañas construcciones que emulan las caprichosas arquitecturas fantásticas de los pintores flamencos de la Baja Edad Media. O que reavivan la pasión por el paisaje futurista. O vete a saber.

El festival se nutre de construcciones de carácter temporal levantadas en medio de la inmensa planicie del desierto. Cuando el evento toca a su fin, todo arde para renacer de sus cenizas el año próximo. Y entre tanto, el lugar es habitado por humanos deseosos de convivir en un lugar sin leyes más eficientes que las de la propia naturaleza, dándose un colorista y variopinto esquema de coexistencia.

Al ver a los reyes bíblicos según Pérez Villalta, de nuevo, los situé como edículos extravagantes o entretenidas follies de un imaginario jardín de esculturas. Alcé la mirada hacia las torres de marfil que se ubicaban en peligroso equilibrio sobre la escueta superficie de escarpadas mesetas, todas ellas correlato del espíritu a veces quebradizo y fantasioso del ser humano. Y, en parte, me reconcilié.

Me parece más que recomendable visitar la galería de fotos que dedica k239 a Burning Man 2011.

Aquí dejo el enlace al curioso festival el desierto de Nevada.

Por aquí la hoja de sala de la expo de Pérez Villalta en el Cac Málaga.

please, SATISFY ME

2011-10-03T00:06:00.002+02:00

Cada vez que visito el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga lo hago con ilusión, y al mismo tiempo con una especie de responsabilidad exigente. Al fin y al cabo, nuestros gobernantes locales son sus gestores y a ello dedican cuantiosas partidas. Es por esto que el título de esta instalación de Monica Bonvicini viene como anillo al dedo; se planta delante de uno, haciendo que te veas reflejado en la superficie impoluta del acero, preguntándote si esta gestión de la cultura en la ciudad satisface tus expectativas. El centro de arte regala una hoja de sala con un texto verborreico, ahíto de circunloquios que sirven de relleno y de justificación -suele ocurrir cuando se presenta algo inconsistente o de escaso contenido-. Y en ella encuentro las claves de mi descontento.

No me malentiendan. Puedo congeniar con el arte conceptual más desnudo si hay chicha, por frívolo y chic, por desproporcionado, que pueda parecer en primera instancia. Pero no basta con sentencias del tipo "es arte conceptual, y el arte conceptual es así" -como diría una vieja amiga-; ya me ocurrió con Liam Gillick y su McNamara Motel, donde nos despanzurramos de risa viendo en qué se invierten las partidas de cultura -se nos pongan los curatas como se pongan-. El distanciamiento es frecuente en este tipo de arte que depende absolutamente de la capacidad de las palabras para subyugarnos. Al fin y al cabo, el proyecto nada más se redacta y se encarga la ejecución de la tipografía a una buena empresa de rotulación. Sobre todo esto coincido bastante con Avelina Lésper, que tiene abierto un encarnizado frente contra este arte "inclasificable" -ella por su parte se indigna con Lawrence Weiner, también expuesto en el Cacmálaga, y que también me dejó frío en su momento-.

En el caso que nos ocupa no me irrita tanto la obra de arte como su decepcionante puesta en valor. La pieza, un rótulo de generosas proporciones (casi 18 metros de largo) con las palabras SATISFY ME cortadas en acero y montadas sobre un andamio, fue concebida como intervención site-specific, con el riesgo y la dependencia que ello condiciona. En su momento las sugerentes palabras fueron instaladas a las afueras de Herne, una ciudad Alemana en la región del Rhur, sobre un antiguo vertedero ahora recubierto de hierba. El aspecto que mostraban allí, a la interperie, era el de un gracioso chascarrillo que remeda el fabuloso letrero de la colina de Los Ángeles. Se supone que al reflejar -con ese acero tan limpio que acaba por ser espejo de cuanto le rodea- el entorno, lo pone en cuestión. Cosas estas del Arte Contemporáneo al que a veces se le achaca mucho más poder del que posee.

La pieza "Satisfy me" en su ubicación original.

Sacadas de contexto, estas tipografías de acero reflejan un puñado de paredes blancas. Aunque según la entretenida hoja de sala, "al presentarse en el interior del CAC Málaga, Satisfy Me abre la puerta a una red de narrativas estructuradas en torno a la historia del museo -en su inicio fue un mercado- y de la economía cultural que genera a través de la selección de exposiciones. Aunque el horizonte físico de reflexión está aquí determinado por la arquitectura del edificio, se trata más de reflejar la estructura del museo: su programa, sus aspiraciones, sus ambiciones, el público que lo frecuenta, los vigilantes... planteando cuestiones sobre la dirección del arte contemporáneo a través del reflejo de sus mecanismos interiores". Un poquito con calzador, ¿no?

Traer a Mónica Bonvicini a Málaga debía haber supuesto la instalación de estas palabrotas de videoclip en uno de esos montes recién incendiados a mala leche durante el verano. En esos terrenos forestales que abrazan la ciudad y que pueden ser recalificados como urbanizables en cuanto nos descuidemos; pero claro, para eso no hay la supuesta valentía de avanzadilla que se le presupone a los abanderados de la cultura moderna. Porque es todo un poco de mentirijillas, porque meter estas palabrotas de videoclip en un salón blanco recién pintado es mucho más burgués y no molesta a nadie. Y se pueden hacer fotos con la artista y sonreír. Satisfacedme vosotros a mí. Bah.

Fotografías en sala por Pedro Alarcón y cortesía de CAC Málaga. Aquí pueden ver más.

No me gustaría dejar de recomendar completa la hoja de sala de la expo, descargable aquí.

Para todos los que se hayan indignado un poquito con Monica Bonvicini, Liam Gillick o Lawrence Weiner; con todo el cariño, lean a Avelina Lésper.

Aprovecho para dejarles caer lo que me parece otra patochada: El "NO" Global Tour de Santiago Sierra.

¡Se me olvidaba! No se pierdan la web de la artista... No tiene desperdicio. :P

el estudio en unplggd

2011-10-01T09:56:00.001+02:00

Me encanta Apartment Therapy, la página de decoración que se edita desde Nueva York y actualiza contenidos interesantísimos cada día, prestando especial interés al minimal y al vintage. Qué sorpresa descubrir que un editor de unplggd -la sección de Apartment Therapy dedicada a decoración y tecnología- se había fijado en algunas fotos colgadas en Flickr donde mostraba mi espacio de trabajo. Qué ilusión ver el post que le han dedicado: Pedro´s "fortunate caos of organization".

Aquí dejo el enlace de Apartment Therapy y de Unplggd.

Gracias a Range Govindan por la atención.

es viernes

2011-09-30T13:00:00.002+02:00

La foto que sugiero este viernes tiene título: "CMYK - The Elements of Typografic Style"; se trata de un bodegón fotográfico en que el artista reúne los colores esenciales en el diseño gráfico -la cuatricromía de la que se nutre cualquier tonalidad: cyan, magenta, amarillo (yellow) y negro (black). Regreso a esta imagen muchas veces, para descansar la retina de la contaminación visual que nos rodea. Creo que es sencilla y eficiente. Hoy la comparto con todos, aunque pertenece a un tal Barbapapá... (no me puede encantar más ese nick).

Como banda sonora elijo Life in Technicolor (Coldplay). Publico la entrada bien pronto porque esta foto y esta canción bien merecen un martini rojo con aceituna.

Mira la foto en todo su esplendor.

Me gusta lo que hace... Carla Fuentes

2011-09-29T16:30:00.002+02:00

Suele darme por lo mismo, una y otra vez; por regocijarme en esa idea helicoidal -por aquello de que se retuerce hacia sí misma para hacerse una pregunta- del artista que dibuja o pinta mal bien. Dibujar mal bien, qué maravilla. Ese descuido de las proporciones, la perspectiva y la dirección del trazo; y sin embargo, hallando una constante. Con esta chica, a la que cliqueo más comúnmente como "Little is drawing" -su alias en internet-, siento una especie de regusto por algunos lugares comunes en los que puedo recrearme. Sobre todo -y sin menospreciar sus retratos, que están fabulosamente mal bien dibujados- en el amor a las viejas cámaras fotográficas, como las Polaroid o Kodak que reinterpreta irradiando color hacia el mundo.

Tan interesante es la revisión del especímen -que no descuida ni un detalle, aun en su deformación- como la trama abstracta que emulsiona como discurso correlativo. Por no hablar de las cualidades texturales, que siempre nacen de bolígrafos y rotuladores, ocasionando una urdimbre insistente, adolescente. Definitivamente, quiero uno de estos dibujos.

La primera vez que ví sus dibujos fue en aquello tan antiguo de Fotolog... Aunque en su Flickr está todo más a mano y localizable, dónde va a parar...

También tiene un blog muy socorrido y que se llama cuaderno de todo, donde puede uno perderse.

Y sí, también saca adelante un tumblr, uno especial, con un proyecto único -Dream- donde Carla dibuja sobre sus sueños y los escritores anónimos -se trata de un proyecto abierto a colaboraciones- relatan cada dibujo. Darle la vuelta al concepto de ilustrar narrativa.

Por si se marean ustedes con tanto link, lo mejor es ir a la central y ya desde allí tomar un camino u otro: www.littleisdrawing.com/

Esto no es arte contemporáneo (mientras ella no estaba)

2011-09-28T18:19:00.000+02:00

Agustín Sciannamea se levantó una mañana constatando que Ella no estaba en casa (al parecer deambulaba por una feria, y no especificó si era una de esas megalómanas de arte o de esas otras con atracciones y chucherías). Al encontrarse solo en casa, decidió construir una suerte de jardín de esculturas en su honor; ante los muros de un blanco nuclear dispuso complejas instalaciones trufadas de objectstrouves y detalles personalísimos que aportaban tufillo autobiográfico al asunto. La sentencia posterior es elocuente: sólo el registro fotográfico sabrá distraer a las arenas del tiempo.

Admirable el grado sugerente y exquisito del homenaje, dado que hubo de poner la casa patas arriba y remover Roma con Santiago para finalmente encontrarse con los fantasmas de su inspiración. Después de tamaña osadía, Él prometió ofrecerse a sí mismo como sujeto/objeto a ser intervenido. Pero esa sería otra historia, que nos es velada, de la cual nunca tuvimos noticias.

Me topé con estas instalaciones ficticias en su flickr personal.

es viernes

2011-09-23T18:00:00.001+02:00

Es viernes. Os dejo con una preciosa fotografía de Manu Meik, y con la voz de Adele (Turning Tables, 21).

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el cubo blanco

2011-09-22T21:39:00.001+02:00

En el año 2006 los responsables de la fundación Montenmedio de Arte Contemporáneo -uno de esos lugares a los que quiero volver para, por ejemplo, comprobar lo que ha hecho James Turrell- invitaron a Gregor Schneider a llevar a cabo una intervención site-specific con carácter permanente en un llano rodeado de pinares dentro de la dehesa situada en Vejer de la Frontera -Cádiz-. El proyecto en cuestión, concebido como lugar para elogiar la paz y la tolerancia, deviene de otro anterior, que fue considerado polémico en su momento, por el que el artista pretendía instalar una réplica en volumen y dimensiones de la Kaaba, el monumento sagrado por excelencia de la religión islámica, en el centro de la famosísima plaza de San Marcos, en el contexto de la Bienal de Venecia. Tanto en esa ciudad como en Berlín se había denegado al creador teutón la posibilidad de erigir dicha simbólica imagen, un sencillo cubo de color negro, bajo el pretexto de que podía resultar hiriente para la sensibilidad religiosa musulmana. Hay que añadir que esas prohibiciones tuvieron lugar sin que en ningún momento se pronunciara al respecto autoridad alguna entre las comunidades mahometanas de Italia o Alemania. Simplemente, el proyecto se ocultó por prudencia y se prefirió mirar para otro lado.

Con su obra "Cubo Cádiz", Schneider da la vuelta al calcetín y de alguna manera subvierte el concepto original -quién sabe si para distanciarse lo suficiente de un símbolo grabado a fuego en el inconsciente colectivo-, dando lugar a una igualmente esencialísima forma primigenia y pura, como se puede decir también de la Santa Kaaba, piedra angular del rezo coránico. Siempre he pensado que aquellos árabes del protoislamismo construyeron una de las más bellas imágenes para representar el entorno de lo sagrado. Un cubo de piedra luego revestido de sedas negras con bordados en oro entresacados de versículos que ensalzan la divinidad. No hay catedral, mezquita ni sinagoga en el mundo con tal economía de medios y tal capacidad de canalización de conceptos efectivos de lo sublime. Si Dios tiene un lugar en el mundo, si escogiera una casa, parece bastante apropiado que se decidiese por ese paralelepípedo de aristas perfectas, quizá la mayor evidencia de lo terreno -casa de Dios, en la tierra, construida por la mano del hombre-.

No es de extrañar que tras diversas negociaciones, la obra original (el cubo réplica en color negro) se levantase finalmente -un año después, en 2007- en la alemana ciudad de Hamburgo, en el contexto de una exposición que conmemoraba lazos con san Petesburgo. El hilo conductor era el marco negro como leitmotiv y la obra de Malevitch. Recordemos cuán sagrado resultaba para el pintor ruso dicha obra, a la que confirió el carácter de icono religioso y ordenó situar sobre su féretro durante la instalación de su propia capilla ardiente.

La pieza construida en Vejer, un andamiaje recubierto de lona blanca, se enclava en un paraje desde el que se puede otear el azul de dos mares -el océano Atlántico y el mar Mediterráneo-. No es la primera ni la última vez que un artista de los convocados a la fundación andaluza dedican el trasunto de su obra artística al estrecho de Gibraltar como lugar de encuentro entre dos culturas. El blanco níveo de su superficie dialoga a la perfección con los colores parduzcos y verdes del paisaje mediterráneo, se mira y encuentra en los cercanos pueblos blancos de la provincia de Cádiz, de una luz casi hiriente. Y estimula un código de diálogo, respeto y entendimiento que, al menos, yo quiero ver, en esta década crispada y sinuosa que se abre con los trágicos sucesos de 2001 y todavía no consideramos del todo cerrada.

Fotografías de Pedro Alarcón por cortesía de NMAC Fundación Montenmedio.

Gregor Schneider en la colección NMAC Fundación Montenmedio de Arte Contemporáneo.

La web del artista.

El cubo blanco me lleva a hermosas conexiones con Rachel Whiteread. ¿Se acuerdan?

me gusta lo que hace... Guilherme Callegari

2011-09-20T17:18:00.003+02:00

Así, en general, me gusta lo que hace. Estas pinturas a medio camino entre el arte callejero y el cuadro en la galería, con su poquito de spray, de acrílico y hasta de lápiz. Con el frágil elemento encontrado de la madera que asoma por abajo o el cartón que utiliza de vez en cuando. Me atrapa por su gama cromática, tan ácida y que me es tan afín; por su concepción espacial de lo abstracto -que no obstante, se oculta tras una leve gestualidad-. Y por su honestidad. Principalmente. Joven, desconocido y brasileño, Guilherme Callegari hace algo tan inhabitual e inesperado como describir a fondo sus influencias en el perfil personal que posee en flickr. Como si no tuviera nada que esconder.

Puedes echar un vistazo a sus trabajos aquí.

Por cierto. Me siguen gustando, y mucho, Ingo Giezendanner y Jon Burgerman. Cada uno en su rollo.

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tattone, de Josh Smith

2011-09-19T18:00:00.002+02:00

Una cosa lleva a la otra; el lenguaje del color me resulta apasionante, de lo que puede deducirse que las pantoneras y las cartas de colores en general me entusiasman. Se entiende por tanto mi última entrada en el blog, y como consecuencia inevitable, ésta de hoy:

La fantástica idea de Josh Smith, creando un tatuaje temporal (sí, lo que viene siendo una calcamonía de toda la vida, de esas que se empapan con agua bajo el grifo antes de instalarlas correctamente en la piel) que describe exactamente nuestro tono y produce una de esas mágicas paradojas del diseño actual. Algo más que una anécdota recurrente, toda una declaración de principios.

Este tatuaje efímero (tanto más duradero cuanto menos aficionados seamos al agua) pertenece a una colección disponible en http://tatt.ly/, que colabora con diversos diseñadores y artistas. Le debemos esta iniciativa a www.swissmiss.com.

Si quieres ver más cosillas del autor, aquí lo tienes: http://joshsmithdesign.com/

nuancier (muestrario)

2011-09-18T23:54:00.001+02:00

Nos enseñan que siete son los colores del arcoiris, y cuando nos ponemos delante de la pantalla del ordenador resulta que en realidad trabajamos sobre unos pocos de millones de tonalidades distintas; también nos han malenseñado que el ser humano es poco más que blanco, negro o amarillo.

En una apuesta por la diversidad, el artista Pierre David -que hasta hoy desconocía- va y crea una pantonera con los diferentes tonos de piel de cuarenta personas (más concretamente, trabajadores de un museo de El Salvador y los estudiantes de bellas artes de la misma localidad) fotografiando su epidermis y elaborando un particular y variopinto abanico de pieles. No contento con ello, encarga la fórmula química correspondiente a cada tono para fabricar la subsiguiente pintura acrílica, y pinta algunos muros de la exposición con los bellísimos colores resultantes, contrapuestos a las fotografías de los individuos con el torso desnudo.

El resultado es una sencilla reflexión que hace apología de la multiculturalidad y que posee una belleza indómita. Alguien podría decirnos algún día "me gusta tanto tu piel que pintaré mis paredes de ese color". Lo curioso es que el efecto puede ser maravilloso.

Más del artista: http://www.pierredavid.net/

No sería justo ocultar que he conocido esta info gracias a http://www.cuartoderecha.com/

Sería igualmente injusto atribuirme la idea de la última cita; se la debo a Evitilla, la coleccionista de ojos.

Si te ha interesado esta entrada, podría gustarte esta otra.

Plenitud

2011-07-29T13:21:00.000+02:00

Han pasado los años y aquella tablita del chico del corazón sangrante sigue a mi lado. No de un modo figurado: Pertenece a la pequeña antología de objetos que se asumen imprescindibles en mi paisaje cotidiano, sin haber perdido un ápice de aquella fragilidad que esgrimiste ni de aquella elegancia callada y serena que me recuerda en qué sutilezas habita la belleza. He tenido que aprenderte unas cuantas veces más, y ahora ando estudiándote en unas hojitas amarillentas que se asoman quizá demasiado grandes en la pantalla del ordenador.

No soy un coleccionista al uso. Siento predilección por las piezas pequeñas, que podrían venirse conmigo a cualquier confín, y en las que reside la seguridad confortable de la compañía. Con un liviano mensaje, que no es necesario desentrañar. Detesto las obras de arte que necesitan un manual de instrucciones para ser interpretadas, y a todas aquellas otras que producen un inmediato fulgor como de fuego artificial, pim pam pum y luego nada. No solo las detesto sino que además me son lejanas, inasequibles en todos los sentidos. Dejémoslas para la vanagloria de otros.

Cada una de las diminutas escenas que ahora compones, con esa nueva reafirmación en la pintura y en el virtuoso paisaje envolvente, es música para nuestras almas. Música de esa, buena, que siempre te rodea. Miro y envidio esa dulce capacidad para emborronar con negro sutil de lápiz de grafito una escueta superficie; como dibujante te lo envidio y admiro. Pero lo envidio en primer lugar. Luego están las certezas. De que este es un arte para siempre, que no es deudor de las modas y las tendencias, de que pertenece a la esfera de lo imborrable. Con eso debería bastar, ¿no?

Llega mi primer Marc Johns

2011-06-07T19:12:00.000+02:00

Después de mucho tiempo esperando la ocasión (las obras de Marc Johns no duran mucho tiempo en la tienda online, vuelan en pocas horas tras ser colgados), he pillado uno de esos dibujos maravillosos, cargados de esa capacidad suya tan habitual para unir ironía y poesía en uno... Se trata de una acuarela llamada "We always work much better / when we put our heads together" (algo así como "Siempre trabajamos mucho mejor / cuando juntamos nuestras cabezas", aunque en inglés tiene más gracia por aquello del verso). Me recuerda que el ser humano siempre funciona mejor en equipo, aunque no siempre se den esas circunstancias.

Nevus

2011-03-03T20:38:00.013+01:00

Me han dicho hasta la saciedad eso de "hombre alunarado, hombre afortunado", por aquello de los muchísimos lunares que tengo esparcidos por todo mi cuerpo, hasta en la palma de la mano. En el último reconocimiento médico de empresa, la doctora me advirtió que no me alertase cuando viera por escrito la palabra "Nevus", al parecer una denominación más técnica para aquello que siempre estuvo ahí. Pensé en todo esto cuando ví de cerca el trabajo de María Domínguez Campelo en JustMad 2011.

Porque esta artista, en su Proyecto Tesis European Design Labs, dirigido por Jaime Hayón, denominado De Humani Corporis Fabrica, ha realizado un mapa de su propio cuerpo en el que, por supuesto, ha dejado constancia de todos y cada uno de los lunares de su epidermis; claro está, entre otras minuciosidades del estilo. No quiero ni pensar cuánto me costaría clasificar de un modo taxonómico y ordenado la barbaridad de puntitos de melanina que se arraciman surcando alegremente mi piel. Pero María Domínguez no tiene "nevus". Y traza constelaciones para un zodíaco nuevo, personal e intransferible, en un acto de generosidad inenarrable.

Pero mentiría si adujera que todo el argumento anterior fue lo que me sedujo de la obra de María. Fueron más bien unos prototipos en cerámica que se mostraban en el íntimo y sencillo espacio del stand en la feria -apiñados en los anaqueles de un viejo mueble, o bajo fanales de cristal antiguos, o atados con cintas de raso-, resultantes del vaciado o de un moldeado en base a determinadas zonas protuberantes o entrantes de su anatomía. Las mencionadas piezas funcionan por sí solas, como bosquejo de esculturas, con el relato íntimo de que han pertenecido al propio ser del artista que entrega una parte de su esencia, dejando por tanto un rastro visible. En ese punto roza el concepto de reliquia, tan atractivo tanto en tiempos pretéritos como en tiempos modernos, ya que nos posiciona ante objetos que son así dotados de una leve esencia taumatúrgica posiblemente creciente en el tiempo en tanto que creciente la proyección del artista (como los objetos que pertenecieron a los santos, tanto más milagrosos cuanto mayor es la devoción y más intensa la peregrinación).

María ha elaborado, a partir de esas bellísimas piezas, unas cuantas joyas en plata de ley que son el trasunto de la identidad. Desde el colgante elaborado a partir del vaciado del hueco de su mano cerrada en un puño hasta la consecución de su clavícula como elegantísimo pectoral. El traslado literal de la morfología y topografía propia (en este caso de la artista) a la de otra persona receptora (quien llevará la joya finalmente) me parece un acto generoso, una donación. Queda muy lejos del exhibicionismo, muy a pesar de que el desnudo queda desgranado para todos. Y es sin embargo una entrega sin ambages.

http://www.mariadominguezcampelo.com/

Desde el fondo del mar

2011-02-20T14:13:00.012+01:00

Llego con la emoción apenas contenida, casi rebosando por los resquicios de mi abrigo. Me encuentro excitado y estimulado en el rellano principal del palacete de la calle Velázquez que acoge JustMad 2011, la feria de arte más asequible y abarcable, cercana, emergente y fresca que he visitado. Todo acompaña, desde el logo tentacular a las banderolas y las cintas adhesivas color naranja; el blanco casi omnipresente en las paredes desconchadas, festoneadas de molduras de escayola y perladas de los vestigios de algún Casa Decor no muy lejano; los fluorescentes a bocajarro, sin plafón... Es un evento pergeñado por cerebros lúcidos.

Voy deduciéndo rápido todo esto, subiendo la escalera de madera natural -moldeada por las innumerables pisadas del tiempo, mucho más orgánica que su predecesora, ella misma en otra vida decimonónica- y comienzo un recorrido cálido y agradable con las primeras galerías que me topo, a salto de mata entre pasillo y salón, entre las salpicaduras de un programa de diseño de mobiliario que ha interesado a todos.

Y de esa guisa mental llego al elegantísimo stand de la galería La Caja Blanca (Palma de Mallorca), y piso una obra de arte.

Fue sólo una pisada, leve; pero suficiente para sentir bajo las suelas un agradable crujido como de pan tostado. La vergüenza me invade y busco a una de las responsables, que entiende perfectamente mi error y me disculpa. Los sentimientos encontrados son: de un lado, salir de allí cuanto antes y ser olvidado por los presentes. De otro, apreciar la belleza callada de la obra discreta de Noa Lidor.

Se acerca a nosotros Eva Shakouri -sólo sé su nombre tras haberlo googleado hoy- y nos explica la pieza que acabo de pisar, mientras una eficiente operaria restaura en apenas segundos mi desaguisado. Noa Lidor es israelí. Trabaja con elementos diferentes y poéticos como la flor de sal, las cuerdas de los instrumentos musicales o el papel. En este caso, utiliza el lenguaje braille para dotar de plasticidad a una obra en principio literaria que plasma sobre el parqué de la habitación. Hago brevísimas conexiones mentales, como el braille en papel y las piezas de Amparo Sard que dota de levísimos relieves la superficie del papel agujereándolo con delicadeza y alfileres.

Los versos se expanden perfectos, alineados en el suelo con el rigor de un microchip. Podría decirse que el aspecto del braille es el de un lenguaje frío y deshumanizado. Sin embargo entendemos que es necesaria esa estandarización de los signos que lo conforman para facilitar su aprehensión por parte de las personas invidentes. Pienso que desde el instante primero los observadores de esta pieza estamos privados del significado último de la misma; el poema no se encuentra transcrito ni mucho menos traducido. La sensación ante una obra de arte que en teoría sólo podría ser entendida por ciegos (dando por hecho que se les permitiría tocarla, invadiéndola) erige una poética en torno a los lenguajes crípticos y vetados. No llegar al fondo es un estímulo más. Olvido rápidamente el autor del mismo, Eva habla muy rápido -intuyo que tiene mucho que explicar esa larga mañana de inauguración- y me interesa mucho más lo que me dice a continuación: el material elegido es la sal, materia prima del fondo del mar, materia misma del poema. Hoy rebusco y encuentro que Noa Lidor trabajó hace poco para esta galería mallorquina con proyectos como este site-specific y en los que dibujaba un discurso estrechamente relacionado con el Mar Mediterráneo, la poesía y los recuerdos de la infancia. "In the chambers of the sea" (En los aposentos del mar) es el poema de Thomas S. Elliot que dio título a una de esas intervenciones, a propósito de una anhelada y nunca llevada a cabo estancia en Palma de Mallorca por su amigo el también escritor Thomas Graves.

Mientras hablamos, suena la música entrecortada de la Sonata de Claro de Luna (Beethoven). Entrecortada porque la artista Katie Paterson tradujo su partitura a código morse, la lanzó al espacio mediante una frecuencia suficiente como para rebotar en la luna, y la recogió con vacíos de hermoso silencio que probablemente correspondiesen al tempo resultante de la recepción por parte de la luna y su superficie crateriforme. La artista volcó el contenido de la emisión recibida de nuevo a partitura musical. Y al ser interpretada al piano, podría decirse que esa música corresponde a lo que la luna ha seleccionado de la sonata original. Comprobando esta sensibilidad de la galería por los proyectos etéreos e inaprensibles, me marcho saboreando esta dulce (o salada) deriva de una parte del arte contemporáneo menos preocupada por la gigantomaquia y la numerología.

(*) “Till Human Voices Wake Us”
Una instalación “site-specific” realizada especialmente para la sala ocupada por La Caja Blanca en JustMad02. La pieza transcribe en lenguaje braille, escrito con sal, un fragmento del poema “La canción de amor de J. Alfred Prufrock” de T.S. Elliot. [información por http://lacajablanca.com]

http://www.justmad.es/

http://lacajablanca.com/

óleo

2011-02-15T23:43:00.004+01:00

Hoy hago una pausa, voluntaria e involuntaria al mismo tiempo. Llevo apenas menos de dos meses recuperando la lentitud antigua, la que se encontraba absolutamente lejos de photoshop, tabletas wacom y dibujo vectorial con freehand; absolutamente lejos de los secativos rápidos del acrílico; absolutamente lejos de la inmediatez de la fotografía digital. Pues lo primero que cayó en mis manos fueron unos lápices y, enseguida, unos pinceles y unas pastillas de acuarela, unos tubos como de pasta de diente, pero pequeños, que se podían estrujar, con colores al óleo. Aceite de linaza con un olor intenso, casi hiriente para los que me rodeaban. Estoy en ello, me encuentro otra vez en el óleo, y es emocionante. Lienzos pequeños, a pesar de que dispongo de más espacio que nunca, por alguna razón intima que me ha acompañado siempre. Y en una grisalla que no acierto a explicar.

Y necesitaba hacer esta breve parada, antes de ir a que me revuelvan las tripas los próximos cinco días en las ferias de ganado, donde sólo soy un traseúnte, un merodeador con ganas de llevarse alguna que otra cosa y sin poder llevarse nada por mor de las trampas. Todavía no he cogido el tren, y aun excitado por llegar al espectáculo casi carnavalesco de la feria, ya quiero volver y retomar los pinceles.

pain (blurb)

2011-02-08T22:55:00.004+01:00

Ya está disponible "pain" como libro de autoedición en Blurb.com. Corresponde al catálogo de la exposición del mismo nombre celebrada en Suiza en febrero-marzo de 2009. La edición es bastante buena y tiene un precio muy asequible, desde 10,95 € más gastos de envío (el precio sube si se pasa a tapa dura, papel premium, etc.).

pain by pedro_alarcón | Make Your Own Book

Un lugar de trabajo

2011-01-29T12:51:00.004+01:00

Me resulta sensacionalmente esclarecedor encontrar imágenes de dónde y cómo trabajan los artistas. Igual de sorprendente que un pintor componga sus lienzos en una especie de hangar o nave industrial, como estimulante comprobar que hay artistas que apenas necesitan un metro cuadrado para llevar a cabo su creación. Conozco a unos pocos en este último sentido, y suelen ser los que me fascinan. Porque lo interpreto como que están capacitados para hacer magia.

Marc Johns dibuja la mayoría de las veces en la mesa de su cocina, antes y después de que toda la familia se siente en torno a ella para comer. Guarda sus utensilios pictóricos (que son bien sencillos) en una cajonera a la que cariñosamente llaman Edward (es una constante en la obra artística de Marc Johns que los objetos ironicen sobre la vida, tomen la palabra y se expresen; no es de extrañar que considere su cajonera un viejo amigo). Y elabora a mano sus cuadernos con hojas de oficina que cose manualmente, que lleva a cualquier parte y sobre los que garabatea en casi cualquier situación.

Sus dibujos están llenos, rebosantes de humor. Él mismo reconoce que es bueno para su arte que el lugar de trabajo se sitúe en medio de donde sucede la vida. Sus dibujos suelen hacerme sonreir. Y, lejos de parecerme un chiste corto, son de un humor extravagante que me hace volver a ellos.

www.marcjohns.com

ENEAEDRUS

2011-01-25T19:33:00.004+01:00

Eneaedrus hace referencia a una suerte de poliedro infinito, una forma irregular, extensible, que no puede ni debe tener un número concreto de vértices, aristas o caras. Pertenece al ámbito de las formaciones espontáneas de la naturaleza, tal y como lo hemos decidido y acuñado. De forma que el prefijo "ene-" no representa tanto el número 9 como el infinito. Para ilustrarlo, aunamos en un paseo corto a vuelapluma la pintura de Tomma Abts -premio Turner 2006- junto a la obra de creadores casi invisibles como Betsy Walton y Moneyless, este último que hace de sus medios precarios un leitmotiv, tal y como previene con su pseudónimo.

Si no lo han visto todavía, les invito a que echen un vistazo:

ENEAEDRUS

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Gianni Motti Assistant

2011-01-15T00:53:00.004+01:00

Hay alguien en Flickr que se toma su tiempo. Sitúa el libro que ojea en esos momentos junto a un CD, una taza de café y un cigarrillo encendido. Suele componer una imagen sugerente, en una suerte de pequeña propuesta multidisciplinar, recomendando algo de buena música y buena lectura, y lo fotografía y lo comparte con todos en su particular foto-blog. Con sus instantáneas, normalmente encuadradas bajo la misma perspectiva y sobre un tapiz neutro -una mesa blanca, cual improvisada galería de arte-, compone pequeños gabinetes de curiosidades que a veces dan lugar a maravillosos hallazgos. En algunas ocasiones, nos reconocemos.

Se hace llamar Gianni Motti Assistant.

God made me draw this

2011-01-13T20:02:00.003+01:00

Vuelvo muchas veces a este dibujo de Marc Johns. Una retícula de triángulos descuidados, a mano alzada, a pulso de dibujar mientras se habla por teléfono, con el encanto de esas cosas que se sabe como empiezan y no cómo acaban... La belleza del caos, del desorden creativo, de las ideas en expansión, y encima sin necesitar contar nada. De cuánto hay que desprenderse para hacer dibujos como estos.

Y de cuánto sentido del humor hay que presumir para, encima, proclamar: "Dios me hizo dibujar esto".

http://www.marcjohns.com/

PD: Hoy Marc Johns ha colgado en Etsy unos wallpapers de libre descarga para ipod, iphone, ipad y diferentes formatos de pantalla de ordenador. Seguro que quieres uno.

Balada triste de trompeta

2011-01-10T00:42:00.008+01:00

Escenas finales de "Balada triste de trompeta"

Hoy he ido al cine y he disfrutado muchísimo, contra todo pronóstico. Muy a pesar de mi particular fobia a los payasos, me he podido sumergir en la historia frenética pero bien contada de "Balada triste de trompeta". Son muchas las cosas que podría enumerar, aunque para eso ya esta fotogramas. Diré simplemente que me he deleitado muy mucho con los espectaculares créditos iniciales, pero sobre todo con el final tan de Hitchcock, con los protagonistas suspendidos de uno de los brazos de la cruz monumental del Valle de los Caídos.

Ver a la actriz principal reptando por la cabeza de uno de los evangelistas que tallara Juan de Ávalos me ha llevado de un modo mágico al "North by northwest" que imaginara el mago del suspense. Cary Grant y Eva Marie Saint pasan unos apuros similares (la vida colgando de un hilo, a pique del resbalón sobre la superficie pétrea de las coronillas de los presidentes del Monte Rushmore), y Álex de la Iglesia no hace sino culminar un homenaje que sin duda ya esbozó en aquellas paradigmáticas secuencias de "La Comunidad" (Carmen Maura encaramada a una famosa azotea madrileña rematada por las estatuas de un grupo ecuestre).

Escenas finales de "North by Northwest" (Con la Muerte en los talones)

El equipo técnico de "Balada triste de trompeta" ha conseguido, gracias al flare -al parecer, un efecto de iluminación que provoca un resultado de cierta irrealidad-, bañar el cartón piedra de las maquetas a escala natural de un barniz cromático impregnado de una comedida nostalgia. Una luz, precisamente, de película de los cincuenta. Algo que hace posible la evidencia del homenaje. Un final de Hitchcock para el cine español.

No puedo ultimar esta entrada sin comentar el interés sobrevenido, a raíz del visionado de la película, de recabar información sobre la Abadía de la Santa Cruz del Valle de los Caídos. Sobre todo tras las secuencias de las lúgubres catacumbas subterráneas del monumento franquista.

Benefiz Christmas Sale

2010-12-03T18:54:00.004+01:00

Benefiz Christmas Sale - Original Artworks for reasonable prices

Freies Museum Berlin, 3-23/12/2010.

Más o menos dentro de un rato se inaugura en Berlín, en el Freies Museum, una exposición colectiva destinada a recaudar fondos para las actividades del museo durante todo el año. A raíz de la pasada exposición "Nulla dies sine linea" he sido invitado a participar en ésta con una serie de dibujos de pequeño formato y precios asequibles. Me encantaría estar presente, pero me será imposible pues ya tenía planes para estas fechas; lo quería compartir para que, de alguna forma, podáis ver algo de lo que se cocerá por allí.

Colgarán seis dibujos míos pertenecientes a la serie clutter, realizados a tinta china sobre papel, y que son los que muestro en esta actualización.

http://freies-museum.com/

iPod

2010-11-27T13:10:00.003+01:00

"Fake iPod" (impresión sobre papel pegado a tablilla de madera de balsa), 2006.

y tablilla de la serie "Zombies, freaks, boys and another toys" (dibujo sobre tablila de DM), 2006.

Guilermo Martín Bermejo (Madrid, 1971)

Se da la paradoja de que poseo una biblioteca musical tan amplia que no me cabe en dieciséis gigas de memoria (supongo que las cifras son relativas, habrá quien sonría y me haría sonrojar de un plumazo, tampoco es para tanto) y sin embargo siempre retorno a los mismos lugares. En cuanto a música, soy poco dado a dar oportunidades. Es más, suelo establecer juicios desmedidos a priori en los que decido que determinadas obras de muchos, demasiados, intérpretes, no van a gustarme. Y, sencillamente, no hay lugar para ellos.

Me aferro a apenas unas cuantas voces que me han acompañado siempre o de un tiempo a esta parte. Cuando resuenan a un volumen no demasiado alto, justo, lo suficiente como para que aún queden resquicios para otros sonidos, suelo sentirme seguro y confortado. Supongo que en eso consiste, al menos en mi caso. Si van a acompañarme, al menos lo hagan de un modo que me resulte familiar, arropándome como una manta de viaje fina, neutra y suave. Efectivamente, como una manta de viaje. Que vaya conmigo allá donde mis pasos me lleven, y sea también banda sonora y hasta encuadre y color para la fotografía de mi campo de visión. Todo eso les pido, en todo eso confío.

Nulla dies sine linea (II)

2010-11-04T21:34:00.005+01:00

NULLA DIES SINE LINEA (II)

La exposición de dibujo español contemporáneo, tras su andadura berlinesa, se inaugura en Seul, en la Sangsangmadang gallery. Con un montaje impecable y en un espacio interesantísimo. Aquí van algunas de las imágenes que nos han mandado desde el Ministerio de Cultura. En la primera y en la segunda de esta selección podéis ver cómo aparece mi serie "I don´t think you know what pain is", suspendida con alfileres sobre el muro.

Ver otras entradas en este blog:

Nulla dies sine linea en el Freies Museum, Berlín

Nulla dies sine linea

STERNENFALL

2010-10-19T23:48:00.003+02:00

Sternenfall es una palabra alemana que significa algo así como "estrella que cae" o "lluvia de estrellas" si traducimos de un modo menos literal. La acepción me parece muy interesante para establecer un discurso acerca de la decrepitud, el ocaso y las ruinas. Escojo además esta palabra para definir el hilo conductor del número 2 de "florescaras" porque es la que elige Anselm Kiefer (uno de los artistas representados en el número) para poner nombre a una gigantesca instalación que se desarrolló en París hace pocos años, donde desplegó su quejumbrosa iconografía del desastre.

Si no lo han visto todavía, les invito a que echen un vistazo:

STERNENFALL

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2001_001_HEADACHE

2010-09-11T20:33:00.022+02:00

FLORESCARAS es un "artzine", es decir un fanzine de arte. Es pequeño, delicado, se mira de un plumazo y es completamente mudo porque traza el hilo de su discurso con imágenes.

Se edita exclusivamente en formato digital y resolución de pantalla (72 px) para evitar su impresión en papel. Puede contemplarse en formato revista virtual (visión de dos páginas con efecto realista) o descargarse como PDF y así poder archivarlo.

De momento no tiene una periodicidad exacta, pero nace con la intención de quedarse puesto que ofrece la posibilidad de comisariar una exposición imaginaria sin costes. Formular preguntas, proponer miradas, recordar gestos y relacionar ideas.

[ver]

NULLA DIES SINE LINEA

2010-08-12T20:43:00.012+02:00

NULLA DIES SINE LINEA

Neue Urbane Kulturen in Spanien [Nuevas culturas urbanas en España]

Exposición de dibujo español contemporáneo. Freies Museum, Berlín. Organiza el Ministerio de Cultura de España. Comisaría Galería Blanca Soto, Madrid.

Freies Museum Berlin. 15/07/2010-15/08/2010. De martes a sábado, 12:00 - 19:00 h.

Potsdamer Str. 91. 10785 Berlin

2010-07-31T13:10:00.001+02:00

010073006

2010

tinta china, papel 120 g.

...

comienzos

2010-07-29T23:56:00.000+02:00

Suelen ser difíciles.

Nulla dies sine linea

2010-07-15T09:48:00.008+02:00

(Ni un sólo día sin una línea). Dibujo español contemporáneo.

Hoy se inaugura en el Freies Museum de Berlín, y hasta el 15 de Agosto, la exposición colectiva de dibujantes españoles que formará parte del programa "Nuevas Culturas Urbanas", celebrado por primera vez el año pasado en la ciudad de Tokio. La exposición pone en valor las cualidades expresivas del dibujo como medio en sí mismo, mostrando un interesante panorama prolífico tanto en técnicas como en discursos.

Es responsabilidad del Ministerio de Cultura la celebración de este programa de actividades; en cuanto al comisariado de la exposición, ha sido la galería Blanca Soto de Madrid la encargada de la selección de los artistas.

Estos son los dibujantes que concurrirán:

Pedro Alarcón Ramírez

Manuel Barbero

Juan Ángel González de la Calle

Sofía Jack

Abraham Lacalle

Imanol Marrodán

Lola Marazuela y Paco Mesa

Domingo Sánchez Blanco

Entre la selección de obra, se encuentran seis piezas mías en tinta china sobre papel, pertenecientes a la serie "I don´t think you know what pain is". (ver en lightbox)

Freies Museum Berlin. 15/07/2010-15/08/2010. De martes a sábado, 12:00 - 19:00 h.

Potsdamer Str. 91. 10785 Berlin

www.freies-museum.com

Web Nuevas Culturas Urbanas. Berlín 2010.

Catálogo en PDF.

Sobrevivir

2010-05-21T17:27:00.006+02:00

Regreso al Louvre por cuarta o quinta vez, reconociendo familiarmente el territorio conocido y revisitando los puntos palpitantes donde siempre se producen encuentros en la tercera fase: La Victoria a punto de descender, turgente, la escalinata, como una modelo de los años ochenta en Trinitá dei Monti; o la Venus manca, perfecta ante su telón de mármol veteado. Luego están los recientes maquillajes expositivos, algunas novedades casi imperceptibles y, badabúm crash, como un elefante en una cacharrería, irrumpe ante los sentidos la Gioconda entre pilonos, como una Cleopatra adentrándose en Roma pero al modo Hollywood. De mis anteriores vistazos la recordaba enjaulada de un modo más discreto, ahora el lienzo de pared que la ostenta ocupa tanto como las Bodas de Canaá...

Por supuesto, es imposible acercarse; la religiosidad acérrima ha convertido la visita en algo parecido a la peregrinación en torno a las reliquias milagrosas. Atisbo, a través de una veintena de micropantallas digitales de ultima generación, algo borroso como una sonrisa tenue, misteriosa entre los inevitables reflejos que proporciona el generoso cristal acorazado. Un primer pasamanos de madera dibuja una semicircunferencia en torno a la diosa, y un segundo cordón improvisado -cintas y postes efímeros- nos alejan unos cuantos metros más. Se cierne lo atávico, no hay modo de saber si se está ante la Monna Lisa o la Virgen de Guadalupe -en el santuario mejicano los devotos se deslizan en una cinta transportadora y cuentan con apenas unas décimas de segundo para detener sus retinas en la imagen milagrosa-, tal es el grado de catarsis colectiva.

El muro pantalla sobre el que han colgado la tabla más famosa de todas las pinacotecas del mundo tiene la habilidad efectista de un retablo y mucho de truco escenográfico egipcio -mole pseudopétrea que supera en más de tres veces la proporción de la talla humana-. Algunos se preguntan si la fama que precede a esta obra de Leonardo se corresponde a sus cualidades, si esa mirada proporciona tanta magia, o siquiera si lo que se muestra no será un facsímil. Empujados ya por novelas de intrigas masónicas ya por el mito mil veces reconstruido y alimentado por el souvenir, los incondicionales soportan empujones y codazos con un fervor indeleble.

Viñetas del cómic "Persépolis".

En esta Europa de integración, más o menos afortunada, se habla de la presencia del hiyab islámico en las aulas o en el mundo laboral como un derecho a la libertad religiosa. Suele mencionarse que las féminas que lo portan desean llevarlo a la manera de un cálido refugio en su religión y no sin cierta nostalgia; casi siempre se alude a que es un acto de "sumisión a su Dios". No obstante, una visión nítida del asunto nos lleva a la comprobación de que ese grado de sumisión religiosa fluctúa y mucho en función del grado de avance en las libertades sociales de cada país. Una mujer no se vestiría del mismo modo en Jordania y Afganistán, por poner dos ejemplos muy distanciados.

Tampoco se suele recordar que el principal argumento de aquellos que defienden o imponen el uso del pañuelo en sus diferentes modalidades es el de que las protege de su propia belleza. Esto es, de las miradas lascivas de los hombres y sobre todo de aquellos hombres que no tomarán a la mujer en matrimonio. Creo firmemente en que la diferente manera de educar a los dos colectivos -el femenino y el masculino- en las comunidades musulmanas resuelve evidentemente en conclusiones como el deseo de cubrirse con velo, del mismo modo en que las mujeres de la posguerra española aceptaban sumisas su papel en una sociedad que les había privado de una parte del conocimiento y la información.

Imagino que no somos quiénes para decidir sobre el atuendo de otras personas, como las mujeres musulmanas que desean cubrirse con velo; pero sí tenemos la oportunidad de legislar acerca de cómo queremos educar a esos ingentes colectivos de ciudadanos, aún menores de edad, sobre tolerancia e igualdad. Y desde luego, bajo nuestra responsabilidad, de eliminar lastres que prorrogan la situación de una cantidad enorme de mujeres en un ostracismo cultural.

Searching (Serge Spitzer)

2010-04-20T12:49:00.008+02:00

Todo está conectado y entrelazado, y sin embargo todo es accidental. Eso se desprende de nuestra particular e individual recepción de la información, lo cual se advierte con especial clarividencia en momentos como este en que fenómenos de una magnitud tal nos empujan a saciarnos de información reciente, actualizada y variopinta. Un volcán escupe cenizas y, en un impredecible efecto mariposa, una concatenación fabulosa (entiéndase por su tamaña proporción) de sucesos dan lugar a una miríada de consecuencias en principio inapreciables por la mente humana. Los que de alguna manera hemos dependido del caos aéreo nos hemos visto sometidos a la tiranía de los mecanismos actuales de la información -diarios digitales que publican informaciones contradictorias y páginas oficiales de organismos a los que se presupone cierta fiabilidad que ofrecen un farragoso calvario hasta llegar al dato que ansiamos-.

En el proceso en que adquirimos toda esa información, y dado que en nuestra posición ante la misma no hay en absoluto un ansia de linealidad, llegamos a perdernos en vericuetos que nos arrojan fuera de la nube de influencia, a los márgenes de subinformaciones que en nada afectan a nuestros intereses iniciales. Es más, se pierde toda noción del tiempo y hasta las intenciones. De algún modo, esa manera de percibir información -caótica, laberíntica, rizomática- obtiene éxito en los parámetros narrativos actuales; los guiones de mayor seguimiento en las audiencias de todo el planeta se alimentan cada vez más de estructuras desordenadas plagadas de invisibles vasos comunicantes que nos lanzan bruscamente a un momento u otro de la narración, incluso a miles de micronarraciones casi independientes. Ya que somos adictos a este proceso informativo anárquico, del que sólo se libran las mentes más concienzudas -disciplinadas a no saltar frenéticamente de un hiperlink a otro-, no es de extrañar que las narraciones contemporáneas lo asimilen claramente. Véase el célebre caso de la serie televisiva Perdidos, en la que los flashbacks, flashforwards y flashsideaways (miradas al pasado y al futuro de los personajes, y extraños entrecruzamiento de tiempos distintos) se trenzan en un impresionante e inabarcable mimbre, cuyo mapa conceptual podría adquirir una forma orgánica, caprichosa y ramificada.

Todo este prólogo viene al hilo de una instalación artística recientemente planteada en el parisino Palais de Tokyo, a cargo del creador Serge Spitzer, con el título "Re/Search: Bread and Butter with the ever present Question of How to define the difference between a Baguette and a Croissant" (Re/Búsqueda: El pan y la mantequilla ante la cuestión siempre presente de como definir la diferencia entre una baguette y un croissant). La obra en cuestión, ya de por sí dotada de una nomenclatura a la que difícilmente nos podemos enfrentar con indiferencia, posee un extraordinariamente explícito carácter arbitrario: Consiste en la trayectoria más o menos aleatoria de tubos interconectados de aire comprimido al modo de aquellos que se utilizaron en otros tiempos para hacer llegar mensajes escritos desde las centralitas de telégrafos a los diferentes departamentos comerciales. No solamente queda en evidencia la obsolescencia de determinados mecanismos de comunicación -un laberinto de tubos con propulsión neumático, el mensaje escrito en papel-; también parafrasea el paisaje de internet, cual metáfora de un imaginario skyline. Si tratamos de esbozar un mapa de la información que cada uno de nosotros selecciona y persigue, a buen seguro que se dibujarían en el aire unos bellísimos bucles salpicados de orificios entrantes y salientes.

Fotografías por cortesía de Palais de Tokyo

www.palaisdetokyo.com

Herbert Brandl

2010-03-14T13:27:00.003+01:00

Mi fondo de escritorio de hace más de un mes.

Pintura de dedos. David Hockney

2010-02-16T21:53:00.013+01:00

Hace poco descubrí que David Hockney había permitido que tres obras suyas fuesen descargadas libremente de la red por un número indefinido de personas. Mi curiosidad se cernía sobre el asunto novedoso de un pintor como Hockney trabajando en el medio digital. Indagando con paciencia pude leer la historia completa; el genio que convirtió las piscinas de california en un icono del arte de nuestra era, a sus años y con un entusiasmo que dejaría apabullado a cualquiera, maneja el terminal móvil más codiciado de los últimos tiempos con la misma soltura que un cuaderno de dibujos, y aprovecha la coyuntura para regalar pequeñas obras de arte vía mail a sus allegados de confianza.

Al igual que Gilbert & George -que también pusieron a disposición nuestra una obra de arte efectuada en ordenador, mediante una descarga sin límite de usuarios durante 48 horas-, el pintor septuagenario se ha embarcado en esta aventura digital quitándole hierro al asunto. Porque considera una tontería que se llame "arte digital" a esta manera de pintar sobre la superficie táctil de un iPhone, igual que sería absurdo denominar "arte de lápiz" al dibujo tradicional. La herramienta no hace a la obra, el resultado es el mismo.

A pesar de que aquellas descargas parecían poseer inicialmente la cualidad aurática de lo limitado -sólo unos cuantos miles de internautas tendrían la oportunidad de bajarse los codiciados archivos en aquellos dos días-, internet ha demostrado ser hasta el momento un territorio abrupto donde campan a sus anchas la democracia bien y mal entendida así como el libertinaje más exaltado. De forma que cualquiera con algo de paciencia puede todavía hacerse con las piezas del duo británico o el pintor que nos ocupa.

Muy a pesar del formato diminuto -apenas los píxeles que caben en la pantalla de un iPhone-, las tres piezas de Hockney resultaron ser brillantes, unas pinturas bellísimas realizadas directamente con el dedo, experiencia que nos conecta directamente con nuestros primeros pinitos (los de todos, quiero decir) en el arte. Desde el arte del parvulario al improvisado garabateo en la arena de la playa.

Las obras en cuestión, así como una infinidad de dibujos que Hockney confiesa en su haber -o en la memoria del móvil-, han sido llevadas a cabo mediante la aplicación "Brushes", que no sólo permite seleccionar el tipo de pincel -grosor, transparencia u opacidad de la pincelada, tipo de trazo...- o el color entre millones de tonalidades. También genera, mediante un plug-in convenientemente instalado en el ordenador, vídeos con el proceso de elaboración de cada trabajo y hasta imágenes de mayor resolución que el original a partir de ecuaciones vectoriales. La trascendencia de esta iniciativa de Hockney ha tenido una repercusión lógica y notable, por lo que no es difícil encontrar en galerías de imágenes como Flickr grupos con miles de miembros que cuelgan diariamente sus creaciones realizadas con esta herramienta. Es vertiginoso y abrumador, cuanto menos.

Entre otras cosas, las pinturas del artista inglés se han visto "colgadas" virtualmente en las paredes inexistentes de una mansión en Second Life, cual grandes lienzos acaparando el testero de suelo a techo. Las redes sociales y experiencias como ésta generan nuevas maneras de aproximarse al arte; seguramente a estas alturas se podrían contabilizar por cientos o por miles las ocasiones en que alguien en algún lugar instaló temporalmente una de estas obras pictóricas como fondo de pantalla de su celular. Superando con creces las ansias divulgativas de algunos profetas del arte pop, esta experiencia pone con sinceridad el arte en manos de todos. Una obra original, con sus dimensiones primigenias, a disposición de cualquier persona, un auténtico proceso de democratización.

Por supuesto, ya me he hecho con la aplicación brushes.

http://ipaintings.blogspot.com

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2010

tinta china, cartulina libre de ácido

21 x 26 cm

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En esos recortes late la misma velada perversidad que resistía dulcemente a ahogarse en sus dibujos. Cuando se marchó a Berlín y fue desgranando -lentamente, como el agua en una clepsidra, luego a borbotones, con la sonrisa escondida de quien encuentra un atajo- decenas de imágenes reconstruidas, no hizo sino dar rienda suelta a una vieja canción de gramófono.

Si tuviésemos que enunciar el proceso a modo de ecuación, habrían de tomarse en cuenta algunas variantes:

La primera de las variantes es la conciencia del nómada. Algunos presagios de corte oriental te animan a acarrear el menor lastre posible, apenas unas cuantas herramientas imprescindibles que puedes llevar contigo. Tus lápices, tus minas de acuarela, algunos papeles, pocas tablas -te has desprendido casi de todas las piezas anteriores-, un pequeño ordenador ultraligero, una impresora diminuta... Y todo el album de la memoria resonando como breves relatos de melancolía. Pues el que viaja a todos lados es un niño.

La segunda de las variantes es la conciencia del invisible. Tu doble historia es que utilizas el lenguaje sencillo reconfortante del dibujo -en este caso el collage, papel a fin de cuentas-, y que reivindicas de un modo genuino la voz soterrada, el eco casi callado. Hay mucha grandilocuencia ahí fuera, el valor de las cosas se estipula en centímetros o en metros cuadrados; en ese contexto, el arte que no alcanza un palmo parece condenado a no ser visto jamás. Y sin embargo ahí están, arracimadas, todas esas historias al fin y al cabo tan graves, que ponen en la picota muchas de nuestras equivocaciones. Pocas veces resulta tan social el arte menos mediático. Quedamente social, casi tímido. Valiente en sus convicciones.

Sé que una parte de tí quiere conseguir esa invisibilidad casi total, como si pudieras desvanecerte sutilmente, como una nube de humo, volatilizarte. ¿Desaparecer?

La tercera de las variantes es la conciencia del transparente. Como el alabastro, que todo tenga esa cualidad de contener y transportar cierta luz; lo transparente resulta frágil a todas luces. Resulta efímero, por la consistencia de un papel que ha de mantenerse erguido, la tinta que debería afianzarse en solidez frente a la radiación ultravioleta.

Y Berlín. Berlín te ha sufragado el espíritu con ecos remotos, conciencias y letargos. Tus historias siempre han girado en torno a la dificultad para asumir los terrenos perdidos en esta vida, a la inocencia prístina de algunas almas cándidas que se ven sumergidas en el marasmo, a la infancia y sus miserias más recónditas. Y sin embargo, como Madrid, Nueva York o Basel, Berlín -como cada uno de tus hogares- le ha puesto una luz y un eco distinto. Por eso lo del gramófono que te decía antes. El fieltro gris, como de manta provisional para pasajeros de avión, el clip de gris oficina y el recorte de gris periódico, una cuidada paleta de grises.

Los chicos recortados que se solapan en tus collages, rescatados de véte a saber qué sordidez propia, se han desencontrado con la vida, atesoran agravios y microviolencias, están ateridos de soledad y de pensamientos gigantes como cumulonimbos. Como dices tú sin palabras, el nuevo panorama del mundo contiene toda esa soledad interconectada, fatigas, fría pulcritud y la indecible sensación térmica que precede a la nada.

Guillermo Martín Bermejo expone sus trabajos más recientes en la madrileña galería Travesía Cuatro del 14/01/2010 al 13/02/2010.

http://travesiacuatro.com/

Blog de Guillermo Martín Bermejo:

http://poordandy.blogspot.com/

Más sobre Guillermo Martín Bermejo en este blog:

Guillermo Martín Bermejo

Zombies, Freaks, toys and another toys.

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2010

tinta china, cartulina libre de ácido

13 x 21 cm

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2010

tinta china, cartulina libre de ácido

21 x 26 cm

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tinta china, cartulina libre de ácido

21 x 26 cm

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Gabinete de Curiosidades

2010-01-09T13:53:00.005+01:00

Ahora que estamos en la fase previa a la mudanza, me doy cuenta de que hay algunas cosas que habían cristalizado bien en mi todavía actual hogar. La pared roja, las pequeñas vitrinas de Ikea, y por encima de todo, el delicioso repertorio de pequeñas obras que me han venido acompañando paulatinamente en estos años. Se fueron incorporando lentamente, a retazos, y ahora conforman un rosario de debilidades que no podrá dejar de confortarme nunca.

No tengo ni idea de qué disposición tendrán en su nueva morada, donde ahora que se está enluciendo todo apenas quiero renunciar a un blanco omnipresente. Pero lo que es seguro es que se vendrán conmigo.

Dibujos sobre tabla, dibujos sobre papel, electrografía troquelada y falso iPod edición limitada de Guillermo Martín Bermejo.

Sobre la vitrina inferior, instalación de microesculturas de Javier Calleja.

Dentro de la vitrina inferior, guisante de bronce pintado edición limitada de Nina Saunders.

Object Trouvé: Corazón roto encontrado en la playa.

Sweet Home. Acerca de Javier Calleja

2010-01-08T17:17:00.006+01:00

Los paisajes se han desnaturalizado un poco más, vahida la color hasta un blanco hiriente. Todo en derredor es mucho más inhóspito. Al borde del precipicio inexistente -de líneas de horizonte imaginadas, pespunteadas, intermitentes-, el habitante increíble de un meteorito se asoma, probablemente a una podredumbre que circunda y deprime.

Probablemente se asome también a nada, compruebe que todo lo que se agita y se desplaza -lentamente, a eones por segundo- es futil. Como una piscina para casi nadie, una chimenea sin nada que arda a sus pies o una sombra que cobija apenas un retazo de presencias mínimas.

[...]

Curiosamente, hay algo que puede que haya osado empujar a Javier Calleja a formatos un poco más boyantes; yo sigo fosilizando mi mirada en las pequeñas piezas, las que están cogidas con alfileres, las que respiran al mismo biorritmo que tú cuando las contemplas apenas conteniendo un susurro nasal.

Los meteoroides -quiero pensar que no sobrepasan los límites establecidos de lo pequeño a lo grande, quiero sentirme parte de una gigantomaquia que alguien desde allí dentro (desde esos dibujos) ha ideado para nosotros- ¿son de piedra? O son de papel maché, difuminados con sombras de carbón. En cualquier caso resíduos de un sistema solar desgastado, erráticos.

No parece que vayamos hacia ningún sitio. No parece que allá donde vayamos concluyamos en nada feliz, no parecemos preocupados por nuestro estrépito. Elefantes en cacharrerías, llegaremos golpeando todo sin mesura, abalanzando toneladas de plástico sobre cuellos desafortunados y riadas de mierda sobre toda vida.

Somos polvo estelar, eso suena brillante, y sin embargo es basura. Y no obstante somos ceniza, eso suena católico, y sin embargo es hermoso.

Javier Calleja muestra su obra en la Exposición "Sweet Home", en la Galería Rafael Pérez Hernando de Madrid, de Noviembre de 2009 a Enero de 2010.

Fotografías tomadas de la web de la Galería.

www.rphart.net

Más sobre Javier Calleja en este blog:

Javier Calleja en mi colección

Javier Calleja, el coleccionista

Iluminación

2010-01-07T19:02:00.002+01:00

Volver a mirar a la cara al blog, o abrirse uno, es bien típico de la entrada de año. Sobre todo para los que tenemos muy asumido que jamás seremos suficientemente constantes para tener la armonía estílistica necesaria al escribir un libro. En un blog la anarquía cronológica y el apetito instantáneo todo lo perdonan. Y no está mal romper algunas reglas, escritas o no, como las que me perturban y no me dejan actualizar bitácora, tal que aquella de empezar siempre con una imagen.

Que anda uno siempre pensando en aquello de la coherencia, el sentido, la uniformidad y tal y cual. Todo cierto. Pero qué bellos son los retruécanos (nunca estaré lo bastante agradecido a la persona de que aprendí esta palabra) y los giros inesperados, al menos a veces. Hoy, vagando con pereza por facebook, leo la frase un poco autoayuda de una amiga segunda (amiga de amigos); suelo abominar el estilo Paulo Coelho, y ello reconociendo que hay una sencilla y contundente beldad en parte de lo que me ha llegado. Pero soy de leer otras basurillas menos reconfortantes, eso no se puede remediar. La frase es como sigue:

La iluminación consiste en entender que no hay ningún sitio adonde se tenga que ir, nada que se tenga que hacer, ni nadie que se tenga que ser. Excepto, precisamente, quien uno está siendo en este momento.

Y yo voy a aplicarme el parche, por toda la cara, porque es lo que me apetece.

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2009
tinta china, cartulina libre de ácido
21 x 26 cm

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tinta china, acuarela, cartulina libre de ácido
21 x 26 cm

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2009
tinta china, cartulina libre de ácido
21 x 26 cm

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tinta china, acuarela, cartulina libre de ácido
21 x 26 cm

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tinta china, cartulina libre de ácido
21 x 26 cm

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tinta china, acuarela, cartulina libre de ácido
21 x 26 cm

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tinta china, cartulina libre de ácido
21 x 26 cm

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2009
tinta china, acuarela, cartulina libre de ácido
21 x 26 cm

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2009
tinta china, acuarela, cartulina libre de ácido
21 x 26 cm

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