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12 jul 2012

boulevard series (katy grannan)


Los actores que se han brindado a Katy Grannan lo han hecho bajo lo que vulgarmente decimos "un sol de justicia", el de California. Probablemente si nos apostamos junto a una tapia blanca, en cualquiera de estos días del sofocante julio, obtendremos una sensación de asfixia inaguantable digna de encomio. Los mediterráneos entendemos a la perfección esos rigores que producen quemaduras en la piel, nos devienen en mapas cuarteados de la vida y nos obligan a pausar el ritmo e incluso perder el pulso. Ahí afuera el verano es implacable; no da tregua el poniente. Podría confesar ahora que nunca he podido ejercer la más insignificante actividad bajo el aumento de mi sensación térmica. Y podría presumir de que mi sensación térmica es considerablemente superior a la del resto de mis semejantes. Pero escribo  estas líneas atosigado por el familiar zumbido de un ventilador. Desconfíen.


Antes de andarme por las ramas, decía que los protagonistas de las fotografías de Katy Grannan han tenido que posar bajo el más inmenso y cegador foco. Así dispuestos por la artista, una serie de desconocidos -quizá los indeseables, quizá los perdedores, quizá los invisibles; hay muchos rangos- han exprimido sus ganas de permanecer; ella les ha entresacado un único destello de dignidad y nos lo destaca de una de las maneras que constituye probablemente el camino menos fácil. Tratándose de retratos, se aleja de los estereotipos acerca de la mirada -su intensidad, su devastadora direccionalidad- y reconstruye la arquitectura del rostro a base de difíciles sombras y la quemazón de una luz cegadora. Nada más lejos de la foto de estudio, seguramente.

Deténganse en ese pequeño ejército de olvidados que se presentan así de desnudos ante un paredón incólume. ¿No le recuerdan a nadie? ¿En serio? 





Fotografías de Pedro Alarcón por cortesía de Saatchi Gallery. Ver más en flickr. 

http://www.katygrannan.com/

Out of Focus: Photography. Exposición en la Saatchi Gallery, Londres. 25 abril - 15 julio 2012.






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4 nov 2011

microformato en Albareda 11



Albareda 11 es una suerte de espacio expositivo en Sevilla de esos que escasean: delicado, íntimo, de iniciativa particular y desasistido de las maquinaciones de las galerías de arte. Sus ángeles de la guarda son dos artistas afincados en Sevilla que tienen allí su estudio -Felipe Ortega Regalado y Sandra Carvalho- y facilitan el acceso con la puerta entreabierta.

Microformato, la exposición que ha tenido lugar este octubre y que me he perdido, ostenta la osadía de presentar a las piezas sin autoría, despojados de las etiquetas, las hojas de sala y las presentaciones onerosas. El leitmotiv, no sobresalir del A5. Tan enamorado como vivo del arte pequeño -escueto en dimensiones, grande de corazón-, sólo puedo lamentar no haber estado. 


















fotografías de Albareda 11.


Los de Albareda 11 tienen un blog.


Y qué decir de uno de los dos cerebros de Albareda; sus dibujos no son sino un blanco al que lanzar alguna vez mis dardos.












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3 oct 2011

please, SATISFY ME


Cada vez que visito el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga lo hago con ilusión, y al mismo tiempo con una especie de responsabilidad exigente. Al fin y al cabo, nuestros gobernantes locales son sus gestores y a ello dedican cuantiosas partidas. Es por esto que el título de esta instalación de Monica Bonvicini viene como anillo al dedo; se planta delante de uno, haciendo que te veas reflejado en la superficie impoluta del acero, preguntándote si esta gestión de la cultura en la ciudad satisface tus expectativas. El centro de arte regala una hoja de sala con un texto verborreico, ahíto de circunloquios que sirven de relleno y de justificación -suele ocurrir cuando se presenta algo inconsistente o de escaso contenido-. Y en ella encuentro las claves de mi descontento.


No me malentiendan. Puedo congeniar con el arte conceptual más desnudo si hay chicha, por frívolo y chic, por desproporcionado, que pueda parecer en primera instancia. Pero no basta con sentencias del tipo "es arte conceptual, y el arte conceptual es así" -como diría una vieja amiga-; ya me ocurrió con Liam Gillick y su McNamara Motel, donde nos despanzurramos de risa viendo en qué se invierten las partidas de cultura -se nos pongan los curatas como se pongan-. El distanciamiento es frecuente en este tipo de arte que depende absolutamente de la capacidad de las palabras para subyugarnos. Al fin y al cabo, el proyecto nada más se redacta y se encarga la ejecución de la tipografía a una buena empresa de rotulación. Sobre todo esto coincido bastante con Avelina Lésper, que tiene abierto un encarnizado frente contra este arte "inclasificable" -ella por su parte se indigna con Lawrence Weiner, también expuesto en el Cacmálaga, y que también me dejó frío en su momento-.

En el caso que nos ocupa no me irrita tanto la obra de arte como su decepcionante puesta en valor. La pieza, un rótulo de generosas proporciones (casi 18 metros de largo) con las palabras SATISFY ME cortadas en acero y montadas sobre un andamio, fue concebida como intervención site-specific, con el riesgo y la dependencia que ello condiciona. En su momento las sugerentes palabras fueron instaladas a las afueras de Herne, una ciudad Alemana en la región del Rhur, sobre un antiguo vertedero ahora recubierto de hierba. El aspecto que mostraban allí, a la interperie, era el de un gracioso chascarrillo que remeda el fabuloso letrero de la colina de Los Ángeles. Se supone que al reflejar -con ese acero tan limpio que acaba por ser espejo de cuanto le rodea- el entorno, lo pone en cuestión. Cosas estas del Arte Contemporáneo al que a veces se le achaca mucho más poder del que posee.

La pieza "Satisfy me" en su ubicación original.

Sacadas de contexto, estas tipografías de acero reflejan un puñado de paredes blancas. Aunque según la entretenida hoja de sala, "al presentarse en el interior del CAC Málaga, Satisfy Me abre la puerta a una red de narrativas estructuradas en torno a la historia del museo -en su inicio fue un mercado- y de la economía cultural que genera a través de la selección de exposiciones. Aunque el horizonte físico de reflexión está aquí determinado por la arquitectura del edificio, se trata más de reflejar la estructura del museo: su programa, sus aspiraciones, sus ambiciones, el público que lo frecuenta, los vigilantes... planteando cuestiones sobre la dirección del arte contemporáneo a través del reflejo de sus mecanismos interiores". Un poquito con calzador, ¿no?

Traer a Mónica Bonvicini a Málaga debía haber supuesto la instalación de estas palabrotas de videoclip en uno de esos montes recién incendiados a mala leche durante el verano. En esos terrenos forestales que  abrazan la ciudad y que pueden ser recalificados como urbanizables en cuanto nos descuidemos; pero claro, para eso no hay la supuesta valentía de avanzadilla que se le presupone a los abanderados de la cultura moderna. Porque es todo un poco de mentirijillas, porque meter estas palabrotas de videoclip en un salón blanco recién pintado es mucho más burgués y no molesta a nadie. Y se pueden hacer fotos con la artista y sonreír. Satisfacedme vosotros a mí. Bah.




Fotografías en sala por Pedro Alarcón y cortesía de CAC Málaga. Aquí pueden ver más.

No me gustaría dejar de recomendar completa la hoja de sala de la expo, descargable aquí.

Para todos los que se hayan indignado un poquito con Monica Bonvicini, Liam Gillick o Lawrence Weiner; con todo el cariño, lean a Avelina Lésper. 

Aprovecho para dejarles caer lo que me parece otra patochada: El "NO" Global Tour de Santiago Sierra. 


¡Se me olvidaba! No se pierdan la web de la artista... No tiene desperdicio. :P




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18 sept 2011

nuancier (muestrario)


Nos enseñan que siete son los colores del arcoiris, y cuando nos ponemos delante de la pantalla del ordenador resulta que en realidad trabajamos sobre unos pocos de millones de tonalidades distintas; también nos han malenseñado que el ser humano es poco más que blanco, negro o amarillo. 


En una apuesta por la diversidad, el artista Pierre David -que hasta hoy desconocía- va y crea una pantonera con los diferentes tonos de piel de cuarenta personas (más concretamente, trabajadores de un museo de El Salvador y los estudiantes de bellas artes de la misma localidad) fotografiando su epidermis y elaborando un particular y variopinto abanico de pieles. No contento con ello, encarga la fórmula química correspondiente a cada tono para fabricar la subsiguiente pintura acrílica, y pinta algunos muros de la exposición con los bellísimos colores resultantes, contrapuestos a las fotografías de los individuos con el torso desnudo.




El resultado es una sencilla reflexión que hace apología de la multiculturalidad y que posee una belleza indómita. Alguien podría decirnos algún día "me gusta tanto tu piel que pintaré mis paredes de ese color". Lo curioso es que el efecto puede ser maravilloso.



Más del artista: http://www.pierredavid.net/

No sería justo ocultar que he conocido esta info gracias a http://www.cuartoderecha.com/

Sería igualmente injusto atribuirme la idea de la última cita; se la debo a Evitilla, la coleccionista de ojos.

Si te ha interesado esta entrada, podría gustarte esta otra.






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3 mar 2011

Nevus






Me han dicho hasta la saciedad eso de "hombre alunarado, hombre afortunado", por aquello de los muchísimos lunares que tengo esparcidos por todo mi cuerpo, hasta en la palma de la mano. En el último reconocimiento médico de empresa, la doctora me advirtió que no me alertase cuando viera por escrito la palabra "Nevus", al parecer una denominación más técnica para aquello que siempre estuvo ahí. Pensé en todo esto cuando ví de cerca el trabajo de María Domínguez Campelo en JustMad 2011.

Porque esta artista, en su Proyecto Tesis European Design Labs, dirigido por Jaime Hayón, denominado De Humani Corporis Fabrica, ha realizado un mapa de su propio cuerpo en el que, por supuesto, ha dejado constancia de todos y cada uno de los lunares de su epidermis; claro está, entre otras minuciosidades del estilo. No quiero ni pensar cuánto me costaría clasificar de un modo taxonómico y ordenado la barbaridad de puntitos de melanina que se arraciman surcando alegremente mi piel. Pero María Domínguez no tiene "nevus". Y traza constelaciones para un zodíaco nuevo, personal e intransferible, en un acto de generosidad inenarrable.




Pero mentiría si adujera que todo el argumento anterior fue lo que me sedujo de la obra de María. Fueron más bien unos prototipos en cerámica que se mostraban en el íntimo y sencillo espacio del stand en la feria -apiñados en los anaqueles de un viejo mueble, o bajo fanales de cristal antiguos, o atados con cintas de raso-, resultantes del vaciado o de un moldeado en base a determinadas zonas protuberantes o entrantes de su anatomía. Las mencionadas piezas funcionan por sí solas, como bosquejo de esculturas, con el relato íntimo de que han pertenecido al propio ser del artista que entrega una parte de su esencia, dejando por tanto un rastro visible. En ese punto roza el concepto de reliquia, tan atractivo tanto en tiempos pretéritos como en tiempos modernos, ya que nos posiciona ante objetos que son así dotados de una leve esencia taumatúrgica posiblemente creciente en el tiempo en tanto que creciente la proyección del artista (como los objetos que pertenecieron a los santos, tanto más milagrosos cuanto mayor es la devoción y más intensa la peregrinación).



María ha elaborado, a partir de esas bellísimas piezas, unas cuantas joyas en plata de ley que son el trasunto de la identidad. Desde el colgante elaborado a partir del vaciado del hueco de su mano cerrada en un puño hasta la consecución de su clavícula como elegantísimo pectoral. El traslado literal de la morfología y topografía propia (en este caso de la artista) a la de otra persona receptora (quien llevará la joya finalmente) me parece un acto generoso, una donación. Queda muy lejos del exhibicionismo, muy a pesar de que el desnudo queda desgranado para todos. Y es sin embargo una entrega sin ambages.













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20 feb 2011

Desde el fondo del mar







Llego con la emoción apenas contenida, casi rebosando por los resquicios de mi abrigo. Me encuentro excitado y estimulado en el rellano principal del palacete de la calle Velázquez que acoge JustMad 2011, la feria de arte más asequible y abarcable, cercana, emergente y fresca que he visitado. Todo acompaña, desde el logo tentacular a las banderolas y las cintas adhesivas color naranja; el blanco casi omnipresente en las paredes desconchadas, festoneadas de molduras de escayola y perladas de los vestigios de algún Casa Decor no muy lejano; los fluorescentes a bocajarro, sin plafón... Es un evento pergeñado por cerebros lúcidos.

Voy deduciéndo rápido todo esto, subiendo la escalera de madera natural -moldeada por las innumerables pisadas del tiempo, mucho más orgánica que su predecesora, ella misma en otra vida decimonónica- y comienzo un recorrido cálido y agradable con las primeras galerías que me topo, a salto de mata entre pasillo y salón, entre las salpicaduras de un programa de diseño de mobiliario que ha interesado a todos.

Y de esa guisa mental llego al elegantísimo stand de la galería La Caja Blanca (Palma de Mallorca), y piso una obra de arte.

Fue sólo una pisada, leve; pero suficiente para sentir bajo las suelas un agradable crujido como de pan tostado. La vergüenza me invade y busco a una de las responsables, que entiende perfectamente mi error y me disculpa. Los sentimientos encontrados son: de un lado, salir de allí cuanto antes y ser olvidado por los presentes. De otro, apreciar la belleza callada de la obra discreta de Noa Lidor.




Se acerca a nosotros Eva Shakouri -sólo sé su nombre tras haberlo googleado hoy- y nos explica la pieza que acabo de pisar, mientras una eficiente operaria restaura en apenas segundos mi desaguisado. Noa Lidor es israelí. Trabaja con elementos diferentes y poéticos como la flor de sal, las cuerdas de los instrumentos musicales o el papel. En este caso, utiliza el lenguaje braille para dotar de plasticidad a una obra en principio literaria que plasma sobre el parqué de la habitación. Hago brevísimas conexiones mentales, como el braille en papel y las piezas de Amparo Sard que dota de levísimos relieves la superficie del papel agujereándolo con delicadeza y alfileres.

Los versos se expanden perfectos, alineados en el suelo con el rigor de un microchip. Podría decirse que el aspecto del braille es el de un lenguaje frío y deshumanizado. Sin embargo entendemos que es necesaria esa estandarización de los signos que lo conforman para facilitar su aprehensión por parte de las personas invidentes. Pienso que desde el instante primero los observadores de esta pieza estamos privados del significado último de la misma; el poema no se encuentra transcrito ni mucho menos traducido. La sensación ante una obra de arte que en teoría sólo podría ser entendida por ciegos (dando por hecho que se les permitiría tocarla, invadiéndola) erige una poética en torno a los lenguajes crípticos y vetados. No llegar al fondo es un estímulo más. Olvido rápidamente el autor del mismo, Eva habla muy rápido -intuyo que tiene mucho que explicar esa larga mañana de inauguración- y me interesa mucho más lo que me dice a continuación: el material elegido es la sal, materia prima del fondo del mar, materia misma del poema. Hoy rebusco y encuentro que Noa Lidor trabajó hace poco para esta galería mallorquina con proyectos como este site-specific y en los que dibujaba un discurso estrechamente relacionado con el Mar Mediterráneo, la poesía y los recuerdos de la infancia. "In the chambers of the sea" (En los aposentos del mar) es el poema de Thomas S. Elliot que dio título a una de esas intervenciones, a propósito de una anhelada y nunca llevada a cabo estancia en Palma de Mallorca por su amigo el también escritor Thomas Graves.

Mientras hablamos, suena la música entrecortada de la Sonata de Claro de Luna (Beethoven). Entrecortada porque la artista Katie Paterson tradujo su partitura a código morse, la lanzó al espacio mediante una frecuencia suficiente como para rebotar en la luna, y la recogió con vacíos de hermoso silencio que probablemente correspondiesen al tempo resultante de la recepción por parte de la luna y su superficie crateriforme. La artista volcó el contenido de la emisión recibida de nuevo a partitura musical. Y al ser interpretada al piano, podría decirse que esa música corresponde a lo que la luna ha seleccionado de la sonata original. Comprobando esta sensibilidad de la galería por los proyectos etéreos e inaprensibles, me marcho saboreando esta dulce (o salada) deriva de una parte del arte contemporáneo menos preocupada por la gigantomaquia y la numerología.







(*) “Till Human Voices Wake Us”
Una instalación “site-specific” realizada especialmente para la sala ocupada por La Caja Blanca en JustMad02. La pieza transcribe en lenguaje braille, escrito con sal, un fragmento del poema “La canción de amor de J. Alfred Prufrock” de T.S. Elliot. [información por http://lacajablanca.com]









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3 dic 2010

Benefiz Christmas Sale



Benefiz Christmas Sale - Original Artworks for reasonable prices
Freies Museum Berlin, 3-23/12/2010.

Más o menos dentro de un rato se inaugura en Berlín, en el Freies Museum, una exposición colectiva destinada a recaudar fondos para las actividades del museo durante todo el año. A raíz de la pasada exposición "Nulla dies sine linea" he sido invitado a participar en ésta con una serie de dibujos de pequeño formato y precios asequibles. Me encantaría estar presente, pero me será imposible pues ya tenía planes para estas fechas; lo quería compartir para que, de alguna forma, podáis ver algo de lo que se cocerá por allí.

Colgarán seis dibujos míos pertenecientes a la serie clutter, realizados a tinta china sobre papel, y que son los que muestro en esta actualización.



4 nov 2010

Nulla dies sine linea (II)




NULLA DIES SINE LINEA (II)

La exposición de dibujo español contemporáneo, tras su andadura berlinesa, se inaugura en Seul, en la Sangsangmadang gallery. Con un montaje impecable y en un espacio interesantísimo. Aquí van algunas de las imágenes que nos han mandado desde el Ministerio de Cultura. En la primera y en la segunda de esta selección podéis ver cómo aparece mi serie "I don´t think you know what pain is", suspendida con alfileres sobre el muro.

Ver otras entradas en este blog:










12 ago 2010

NULLA DIES SINE LINEA



NULLA DIES SINE LINEA

Neue Urbane Kulturen in Spanien [Nuevas culturas urbanas en España]

Exposición de dibujo español contemporáneo. Freies Museum, Berlín. Organiza el Ministerio de Cultura de España. Comisaría Galería Blanca Soto, Madrid.

Freies Museum Berlin. 15/07/2010-15/08/2010. De martes a sábado, 12:00 - 19:00 h.
Potsdamer Str. 91. 10785 Berlin






Una de mis más agradables sorpresas: Han usado uno de mis dibujos para la cartelería de la expo. No lo he sabido hasta que no me han enviado estas fotos, por cortesía de Marta Rojas Sevillano.


Entre la selección de obra, se encuentran seis piezas mías en tinta china sobre papel, pertenecientes a la serie "I don´t think you know what pain is". (ver en lightbox)







15 jul 2010

Nulla dies sine linea



(Ni un sólo día sin una línea). Dibujo español contemporáneo.

Hoy se inaugura en el Freies Museum de Berlín, y hasta el 15 de Agosto, la exposición colectiva de dibujantes españoles que formará parte del programa "Nuevas Culturas Urbanas", celebrado por primera vez el año pasado en la ciudad de Tokio. La exposición pone en valor las cualidades expresivas del dibujo como medio en sí mismo, mostrando un interesante panorama prolífico tanto en técnicas como en discursos.

Es responsabilidad del Ministerio de Cultura la celebración de este programa de actividades; en cuanto al comisariado de la exposición, ha sido la galería Blanca Soto de Madrid la encargada de la selección de los artistas.

Estos son los dibujantes que concurrirán:


Entre la selección de obra, se encuentran seis piezas mías en tinta china sobre papel, pertenecientes a la serie "I don´t think you know what pain is". (ver en lightbox)






Freies Museum Berlin. 15/07/2010-15/08/2010. De martes a sábado, 12:00 - 19:00 h.
Potsdamer Str. 91. 10785 Berlin