Un Infraleve en los Kensington Gardens

Pasar por la Serpentine Gallery con la intención de ver la última serie de esculturas y pinturas de Jeff Koons parecía una buena excusa para echar la mañana por los Jardines de Kengsinton, hacer unas fotos del Albert Memorial -esa tarta de varios pisos que el pobre Alberto no deseaba para sí- y dejarse embriagar por unas extensiones de verde a la que uno no está acostumbrado ni de lejos. Era la primera de las excursiones que decidíamos por Londres nada más dejar el equipaje medianamente arrumbado en un hotelito de Notting Hill. Y vaya acierto.

Pero no tanto por las obras de Koons, que siempre tienen su gracia y siempre sorprenden técnicamente aunque se van quedando poco a poco vacías confome te alejas de ellas, como por la maravillosa lámina de aluminio que flota, ingrávida como la niebla, entre los árboles circundantes a la galería.


Cada año la Serpentine Gallery, ubicada en los jardines de Kensington, aloja un pabellón efímero construido tras un certamen internacional de arquitectura que cuenta a sus espaldas con un ambicioso programa con nombres más que relevantes: Zaha Hadid, Daniel Libeskind, Toyo Ito, Oscar Niemeyer, Alvaro Siza & Eduardo Souto de Moura con Cecil Balmond, Rem Koolhas & Cecil Balmond, Zaha Hadid Architects, Olafur Eliasson & Kjetil Thorsen y Frank Gehry, hasta la fecha. Una constante entre las diversas propuestas anteriores podría ser la voluntad escultórica y tendente a la espectacularidad de los pabellones ya desmantelados; así mismo, ninguno de esos pabellones quisieron plantearse como algo abierto al paisaje en el que se ubica.

El pabellón erigido en 2009, que corresponde a Kazuyo Sejima & Ryue Nishizawa, parece romper con algunas de las premisas no escritas con las que se construyeron los pabellones del resto de la década, y consigue hacer efectivo que el edificio efímero sea permeable a su localización, pues mediante un juego exquisito de reflejos parece recoger toda la belleza del jardín para revestirse de su mismo verdor.




Fotografías de Pedro Alarcón

www.serpentinegallery.org

Indian iPod SUPER DELUXE

Esta es la versión online de un antiguo cuaderno indio que he intervenido con dibujos a tinta china. Lo compré hace años en una tienda de Barcelona que, curiosamente, atesoraba sobre todo artículos de santería y religiosidad popular mexicana. Y lo había olvidado, casi por completo.



http://issuu.com/pedroalarcon/docs/indian






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Javier Calleja en mi colección

Sin titulo.
Grafito y acrílico sobre papel extraido de un libro antiguo.
17 x 10,5 cm.

Sin titulo.
Acrílico sobre billetes estadounidenses de un dólar.
6,6 x 15,5 cm cada uno.



Sin titulo.
Instalación de siete microesculturas, técnica mixta.
Dimensiones variables.

Javier Calleja compone sus instalaciones con un maravilloso sentido acumulativo, en el que hace colisionar fragmentos de una imaginaria e inmensa colección de pequeños objetos a veces reconocibles como obras de arte homenajeadas desde su particular visión de lo diminuto. En sus dibujos, no hace sino parafrasear el modo en que interviene y articula el espacio, creando paisajes de un no-lugar en el que se producen extraordinarios encuentros.

La serie de billetes intervenidos son los primeros de una serie prevista, surgida a partir de su estancia en Nueva York, y fueron expuestos en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga en una individual celebrada bajo el título "Play Room" en 2008.




Más sobre Javier Calleja en este blog:

Javier Calleja, el coleccionista.



Más información sobre la exposición "Play Room":

Javier Calleja, Play Room.





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La Torre de Wim Delvoye

Exposición: Wim Delvoye. Torre. Peggy Guggenheim Collection, Venecia. Hasta el 22/11/2009.

Si Adolf Loos levantara la cabeza, repetiría su enérgica sentencia: El ornamento es excremento. Recordemos que el eminente arquitecto austríaco y nacionalizado checoslovaco preconizaba una ruptura absoluta con los historicismos y proponía una modernidad en la que necesariamente se pasaba por la desornamentación, tal y como aseveraba en Ornamento y Delito (1908). Y llega Wim Delvoye a poner la guinda en la ciudad más excesiva del mundo, la Serenissima, una fantasía construida sobre ciento veinte islas y decorada al extremo. A Venecia, si algo le hace poca falta, es un poco más de gótico. Y allí se yergue, a la ribera del Gran Canal, esta torre fastuosa de diez metros de altura.

A Wim Delvoye se le conoce por chirriar ruidosamente en las ferias de arte y protagonizar más de un corte informativo, como les pasa en general a los gamberros tal que Banksy, Jeff Koons o Damien Hirst. Antes de que todo el mundo apreciara el televisado de sus cerdos tatuados, yo había tenido la oportunidad de ver algunos de sus Gothic Works en un par de ediciones de ARCO, como la hormigonera de cemento. Y conocía las impresionantes Caterpillars, obras todas en las que el ornamento sin duda obtiene el beneplácito para extenderse por toda superficie. Y a raíz de visitar esta instalación en el Museo de Peggy Guggenheim en Venecia y olfatear algo de su bibliografía en la librería me he sorprendido de nuevo boquiabierto con los Anal Kisses -literalmente, besos anales estampados con carmín en servilletas y folios con membrete- o el extenso catálogo de sus Early works -ya que Delvoye ha editado la colección de sus dibujos infantiles entre 1968 y 1971-. De manera que instalar una torre gótico flamígero en la terraza del Palazzo Venier dei Leoni parece un acto de extrema delicadeza.

La estructura, que a los que hemos recorrido las tripas de la torre Eiffel nos retrotrae a los años de aquella nueva arquitectura del hierro, está soldada a partir de pequeñas piezas de acero cortado a láser y posee un acertadísimo acabado en óxido que hace más veraz su impronta. Está claro que Delvoye trabaja con prototipos informáticos, demostrando grandes habilidades como ingeniero del pasado. Esta línea de trabajo se manifiesta como recurrente desde 1990, cuando lleva a cabo su primera hormigonera ornada de motivos neobarrocos, y se plantea en solución de continuidad hasta el gran trailer que presentó en Art Basel 2007 o las torres previstas para Basel y Moscú. Como en la inquietud de aquellos pintores flamencos, Delvoye surca la intención de una arquitectura imposible, algo que ya apenas podemos vislumbrar en alguna que otra procesión del Corpus Christi, y que para el público de Arte Contemporáneo no es sino una divertida excentricidad.

Fotografías de Pedro Alarcón por cortesía de Peggy Guggenheim Collection.



www.wimdelvoye.be

www.guggenheim-venice.it





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COMING SOON: BIENNALE DI VENEZIA 2009

Tengo como cuatro gigas de fotografías tomadas compulsivamente, mil anotaciones y el recuerdo de un calor pegajoso que apenas importaba ante la excitación de regresar diez años después a la Bienal... Pero apenas tengo tiempo para más, ahora que preparo mis otras excursiones para este intenso mes de julio. Así que habrá que esperar un poco para que ordene mis ideas...

Fotografía de Pedro Alarcón por cortesía de Biennale di Venezia.



www.labiennale.org



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Elegidos para la Gloria - Matías Sánchez

EXPOSICIÓN: Elegidos para la gloria. Matías Sánchez. Cacmálaga, hasta 15/11/2009.

Los que conocemos la trayectoria de Matías Sánchez y nos vimos cautivados por su forma primigenia, tan narrativa y tan icónica, de pintar, es posible que podamos sufrir un breve episodio de emborronamiento; al enfrentarnos a las grandes telas que exhibe en el Cacmálaga -una oportunidad más que merecida- se nos ha obligado a darnos de bruces contra una pintura mucho más pintura, en la que pesan menos aquellos grafismos por los que se reconocía uno en la quinta -la afinidad con los mortadelos como principal enseña- y se llega, casi a empujones, al garabato o al monigote. Matías es mucho más basquiat y menos mortadelo, algo que se puede deducir en una lectura simplista -por la que de forma obligada hay que pasar- que se hace palpable por el trazo descuidado y chorreante.

También es menos barroco, y no ya en el sentido abigarrado al que cualquiera puede recurrir si refresca en la memoria sus exposiciones en Begoña Malone de hace unos años; también en cuanto que prescinde de las filacterias, antes tan adecuadas para hacer legible su obra, o el tono inmortal que asediaba sus telas a modo de panegírico. Sema D´Acosta veía una singular retroalimentación entre Matías -sevillano, alemán sólo de nacimiento- y el excelente Valdés Leal: Hay una trabazón común que anuda la moraleja de sus admoniciones. hay un hálito eterno, un tono subliminal contracorriente, un vahído inmortal que da rotundidad a sus mensajes compartidos [1]. Y, al menos en lo concerniente a las evidencias, Matías ha despojado al emblema de sus vestiduras; en parte por abundancia, por insistencia, por lo tanto también por un probable y comprensible aburrimiento. Pero en parte -y en una parte más sustanciosa que se diría- por un inefable interés en pintar por pintar que supera nuestras expectativas.


En discusiones que he entrado se arguye si Matías gana o pierde en este nuevo recodo del camino. Yo advierto que se trata de una estrategia pendular inevitable: Algunos le aconsejarán que lo suyo trata de desnudar esa cocina pictórica, que las manchas cromáticas deben recuperar su territorio, antes velado, y ostentarse por encima del monigote, incluso que el monigote es sólo pretexto; otros añorarán la poética tan suya, la del sarcasmo de buen observador, que aquí anda tan diluída, tan a conciencia descafeinada. Y hay quién resuelve en un tono desenfadado que Matías, sencillamente, anda pasándoselo muy bien; pues los que no le han visto pintar se lo imaginan embarrando los áticos del lienzo a escobazos, y no andarán tan lejos.

En cuanto a su repertorio iconoclasta, se ha dicho y se ha escrito que él no busca a los personajes sino que los personajes le buscan a él, o que va dejando de lado el discurso para centrarse en pintar: y no me lo creo, del todo. Matías anda siempre ojo avizor y no se le escapa ni uno sólo de los personajuchos de la vida basurilla, del artisteo de mercachifles; lo mejor es que alguna vez se tomará una cerveza o se fumará unos cigarritos con ellos, que no se saben retratados en las postrimerías de Matías, que no se adivinan en el narigón o el rostro desfigurado. En otra perla cultivada, se leía hace tiempo en referencia a la pintura de Matías que los óleos muestran una serie de rufianes y meretrices que se deleitan en su lodazal, como felices gorrinos [2]. Y es verdad, hay un encharcamiento del que Matías no puede sacar los pies, plasmando cada dos por tres esa deleznable fotografía de grupo en la que de una u otra manera podemos llegar a sorprendernos a nosotros mismos, los que osamos decir cosas en voz alta con tal que se digan cosas, más buenas o más malas, de nosotros. Especialmente si tenemos en cuenta que estas exposiciones las ven casi solamente aquellos que rechinan por las esquinas de los lienzos de Matías, muy a pesar de los directores de centros de arte que se ufanan al contabilizar todas las visitas escolares como si de incursiones por motivación propia se tratara. Los críticos, los especuladores, los coleccionistas, los galeristas, los artistas de más o menos reconocimiento, un público de cierto perfil cultivado, y por supuesto los aduladores.

Otra cosa es que a Matías lo que le guste es pintar, eso se ve, pero ya podría ser ya un aburrido Pedro Calapez y no le ha dado por ahí. Y lo mejor es que Matías, en el futuro más cercano, haga lo que le dé la gana.


No obstante a todo lo desgajado, y como texturas y gestos pictóricos -tan variados y de tanta profundidad, y por qué no decirlo, de tan buen gusto- me subyugan en igual modo, me posiciono entre los aduladores. Además es oportuno confesar que me atrapó con ese autobús de los zurdos, un entrañable gabinete de cuadritos en los que está la orla de fin de curso de los grandes desafinadores, del joven Picasso a Jawlensky, que podrían ser los siniestros por oposición a los diestros que bien todo lo hacen (y a mí el que me gusta es un Kirchner que ha pintado como una calavera maravillosamente resuelta).

Lo de ser zurdo de religión -ya que lo de la mano que se use importa un gruño- tiene su aquél.





[1] D´ACOSTA, Sema. Por los siglos de los siglos... Matías Sánchez. Revista lafresa.org, núm. 00605, monográfico Inmortalidad, 2006.

[2] HINOJOSA, José. Matías Sánchez tiene un mal sueño. Revista lafresa.org, núm. 00701, monográfico La parada de los monstruos, 2007.



Fotografías de Pedro Alarcón por cortesía de Cacmálaga.



www.cacmalaga.org



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For the love of God (make your own)

Iartistlondon es la firma que desde hace muy poco nos permite la posibilidad de recrear en casa algunas de las fascinantes obras de arte que han convulsionado el mercado; entre otras cosas, nos proporciona un divertido set de calavera -imagino que de plástico- y unos 8600 diamantes falsos para tratar de emular, después de una paciencia encomiable, la fastuosa For the love of God, de Damien Hirst, por el precio nada desdeñable de unas cincuenta libras esterlinas. En su web podemos hacer acopio también de una tienda de campaña a lo Tracey Emin, unas plantillas para aerógrafo a lo Banksy o una bolsa para agua caliente y yeso para fabricarnos una escultura tipo Rachel Whiteread.

A mí, particularmente, me emocionaría un buen surtido de los desastres de la guerra de Goya, para pintarrajearlos y mejorarlos, como decían los Chapman.



Fotografía tomada de la web de iartistlondon.


www.iartistlondon.com



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popstar as a popcorn

Como pequeños rompimientos de gloria, sólo presagian cosas buenas

These walls are made for drawing (portfolio)

Esta es la versión online de mi dossier de pintura mural These walls are made for drawing. En él hay proyectos realizados y otros algo más utópicos basados en espacios que me gustaría intervenir, siempre trasladando el trabajo monocromo del papel al muro, como una extensión del discurso en que muevo actualmente. [ver]

http://issuu.com/pedroalarcon/docs/thesewalls

these walls are made for drawing

Por razones distintas, me es absolutamente imposible dibujar sobre esos muros. Pero es lo que me gustaría hacer con ellos...

Offline - Elena Rendeiro

Exposición Offline. Elena Rendeiro, Galería Isabel Hurley, Málaga. 30/04/2009 - 13/06/2009

Recuerdo que hace dos años me puse por primera vez frente a una instalación de Elena Rendeiro en la correspondiente edición de generaciones de Cajamadrid, y que sin duda se irguió para mí como una de las pocas alternativas realmente significativas. Sin lugar a dudas, el uso reiterativo de un concretísimo objeto encontrado, el par de pantis, le confería ya entonces cierta singularidad y se conviertía por tanto en una de las piezas más que referenciadas, a veces por encima de los premios entregados entonces. Pocas veces encontramos en una instalación a partir de objetos vulgares tal preciosismo en la técnica y tal densidad de valores matéricos con un abanico amplísimo de juegos cromáticos y de texturas. Precisamente, uno de los logros de "A ras de piel" -la obra presentada a aquel certamen y reproducida en esta exposición de la Galería Isabel Hurley de Málaga- consiste en esa fabulosa combinatoria, que a pesar de partir de una evidente economía de medios -las transparentes medias femeninas tensadas sobre el muro con una simple grapadora industrial- consigue una variedad tonal que estimula profundamente nuestra atención.


Al margen de las consideraciones simbólicas a las que se suele recurrir cuando se habla de la obra de esta artista madrileña, sería interesante apelar por una vez a las manifiestas filiaciones estéticas del conjunto de su obra actual, tan elegantemente derivadas de la abstracción española de la posguerra. Mucho se ha escrito sobre el sello tan español de la pintura de aquellos grupos que se fundaron a la sombra del franquismo y con la ilusión colectiva de dar paso a un arte libre y luchar por el triunfo de la no figuración. Más allá del tópico, eso de "lo español", que podría rastrearse con buen olfato en Goya, Ribera o Velázquez, tiene que ver al mismo tiempo con un temperamento fogoso y sin embargo sobrio [1] que determinados creadores supieron imprimir al acabado de sus piezas. En mi opinión, Rendeiro contiene algo de la sustancia de los lienzos manipulados por Rafael Canogar y Manuel Millares, artistas que dieron algunos pasos más allá en lo que a concepción espacial de la pintura se refiere. Y por qué no, también un destilado de las transparencias veladas que, con sutiles tejidos metálicos, utilizaba Manuel Rivera. Sin duda hay más nombres, pero estos tres pertenecientes a la también madrileña generación congregada en torno al grupo El Paso (1957-1960) consiguen reunir una serie de características texturales y colorísticas que convierten el drapeado de lienzos y rejillas en casi otra forma de escultura aplicada a la superficie bidimensional.


Rendeiro, entre otras cosas, procesa ese dramatismo de tonalidades neutras y terrosas y resuelve aplicarlo mediante una coherente apuesta actual por los lenguajes de apariencia efímera, los significados comprometidos y la experiencia que supone la confrontación de varios medios expresivos a un tiempo. Aúna la tradición a la necesidad de desarrollar un código propio.

Es difícil ser multidisciplinar, atinar en todos los palos que se tocan y encima sostener una coherencia tan homogénea. Una de las facetas en las que se pone de manifiesto esa versatilidad es en la pintura, mediante lienzos abstractos con un particular protagonismo de la densidad, donde la superposición de planos elásticos semitransparentes aportan una aparente fragilidad a la robustez del gesto pictórico. O en la fotografía y el vídeo, que suelen reproducir escenarios construidos ex profeso o como parte del proceso documental de una performance, medios en los que el cuerpo femenino acaba de completar todo el discurso. El nylon como material recurrente y persistente es la piel delicada sobre la que se produce tanto el dolor como el placer:

Me interesa la relación que existe entre el dolor y el placer como medio para responder a preguntas sobre la realidad última del yo y el cuerpo, que chocan con el esceptícismo y los límites de la razón (Elena Rendeiro).




[1] Maderuelo, Javier. Catálogo del Museo de Arte Abstracto Español (Fundación Juan March), de Cuenca.




Fotografías de Pedro Alarcón por cortesía de Galería Isabel Hurley



www.isabelhurley.com

New York, New York; Josephine Meckseper

U.S.A., 2007

Una parte de mí contiene en un apartado recoveco de su tejido encefálico la perversa intención de desayunar alguna vez con diamantes -se lo ví hacer a la protagonista de Gossip Girl en sueños-, desdeñando que se trata de uno de los empeños colectivos más kitsch desde el infortunio de enmarcar una reproducción del beso de Klimt para decorar el salón. No lo haré jamás, igual que desprecié las góndolas en Venecia hasta en tres ocasiones; y ello a pesar de una diminuta quemazón interna.

Y es que tratar de revivir el esplendor de otras hierbas no constituye sino la evidencia de la vulgaridad. Algo que cada vez resulta más difícil reconocer, recamada como está en los oropeles del lujo.

Me interesa como trata Josephine Meckseper el mito de Estados Unidos y ciudades fetiche como Nueva York, en esta y otras obras de igual condición, montajes pseudoescaparatísticos en los que la simple combinatoria elegante de objetos/readymade es capaz de denotar significados y matices de hondura. Es más que frecuente el uso indiscriminado de objetos de la vida cotidiana en las instalaciones de centenares de artistas, y las más de las veces el correlato kitsch se apropia de un trasunto popular del que difícilmente se despoja; la Meckseper, al tiempo que ironiza sobre estos objetos baratos -la bisutería más cutre, el plástico más fino-, plantea el riesgo de la vacuidad de lo chic y a menudo en un entronque social que se ajusta a la perfección.

La primera vez que oí hablar de Meckseper fue a raíz de la estúpida polémica por la que una obra de la susodicha dejaba de exhibirse en un escaparate de Sevilla (con motivo de una de sus bienales) debido a las contrariedades varias que algunos estamentos de peso argüían: Determinados símbolos religiosos de la ciudad se entremezclaban de forma indecorosa con lencería procaz y otra chavacanería al uso. Después de eso me la he tropezado un par de ocasiones más, y la he disfrutado.

¿No es fácil detenerse en la metáfora lenta, sostenida y volátil?



Fotografía de Pedro Alarcón por cortesía de ARCO-Ifema.

Igor Eskinja

Código de barras, 2006.

Me detengo muchas veces en esta fotografía. Cuando la hice, en la penúltima edición de ARCO (2008), me apetecía que el encuadre fuese una leve paráfrasis de lo que me transmitía la imagen. Eso con toda la celeridad que obliga una visita de un día y medio a la feria, las obligaciones de entonces de hacer una reseña general y las distracciones que salen al paso como más de un capricho al que realmente no puedo hacer frente.

Esta obra del croata Igor Eskinja, como otras de su producción, me es un oasis entre la excentricidad, el banalismo galopante y el énfasis acumulativo, cualidades todas que también aprecio en su justa medida...

Fotografía de Pedro Alarcón por cortesía de ARCO-Ifema.




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De todo lo visible y lo invisible (ARCO 2008)
Conrad Botes en ARCO 2008
Calaveritas

Me gusta lo que hace... Ingo Giezendanner

Me encanta su compulsiva actitud de dibujante por la que la contención se ausenta y el pulso de la mano que sostiene su versátil rotulador acumula un ritmo acelerado y en progresión geométrica. Me encanta que los escenarios de sus viajes se muestren impolutamente contaminados de publicidad, que las ciudades y sus actitudes enfermizas se erijan como tema predilecto, que no busque jamás el sentido compositivo en torno al equilibrio que aporta el vacío, que emborrone más que limpie las superficies y que desee plasmar tanta información que los árboles jamás dejen ver el bosque.


Me encanta, además, el modo rococó y subversivo por el que empapela el espacio cuando afronta una exposición al modo de una instalación acumulativa y caótica, y la manera en que yuxtapone sus dibujos a distintos niveles de resolución, desde el trazo directo y efímero sobre el muro hasta la fotocopia o el adhesivo impreso, que se solapan en solución de continuidad.


Me encanta visitar y revisitar su incómoda web (www.grrrr.net), un auténtico gruñido constante, un enfado congruente por el que la información se hace pixelada, llena de molesto ruido. Un extraño sitio para disfrutar muy poco tiempo -para poner a salvo nuestras retinas- pero al que, de cuando en cuando, me encanta volver.

Antonio R. Montesinos: Top Down & Bottom-up

Exposición: Antonio R. Montesinos. Top-Down & Bottom-up. Espacio Emergente Unicaja, Málaga. 08/05/09 - 13/06/09.

Pasar por Top-Down & Bottom-up (la exposición más reciente de Antonio R. Montesinos) supone, para alguien de la misma quinta, reconocerse en lugares comunes; ciertos ámbitos sociales, algo así como haber navegado los mares de una misma cosmogonía o haber participado del mismo modelo de entretenimiento. Al fin y al cabo, el sistema reticulado que Montesinos hila como consecuencia de la incidencia de la Red en nuestras vidas no es sino la plasmación de la ruptura con el esquema lineal de lectura al que íbamos abocados no hace más de dos décadas.

En contra de lo que pueda suponerse, sostengo que mucho antes de que pudiéramos imaginar siquiera internet, se produjo un fenómeno en nuestras infancias o adolescencias que a buen seguro transformó los horizontes en los que un lector pudiera identificarse con una historia, un universo. Fue en los años 80 que llegaron a España las primeras traducciones de "Choose your own adventure" -Elige tu propia aventura-, sin duda los primeros libros que consiguieron divulgar y por tanto popularizar hasta cotas insospechadas el tipo de lectura basado en la narrativa hipertextual (algunos sostendrían que Rayuela -1963-, de Julio Cortázar, la antinovela o contranovela por excelencia del siglo XX, es el germen de esta forma de interactuar para con el lector). Este modelo narrativo persigue convertir al lector en una especie de segundo autor, que modela la historia hasta hacerla suya y se hace responsable del final de la misma, que desde el principio queda planteada como en final abierto. Algo que colaboró en gran medida al grado de inmersión en esta narraciones fue el uso sistemático de la segunda persona, una especie de vocativo constante que apela al lector directamente y le ofrece propuestas, la mayoría de las veces con una finalidad didáctica, toda vez que la editorial programaba para todos los autores de la colección una visión moral unánime por la que al lector se le premia en aquellas opciones en las que la prudencia, la bondad o la inteligencia sean el elemento dominante.

Ese modelo de hiperficción explorativa -tan estimulante para públicos que en principio eran renuentes al hábito de la lectura- tuvo su prolongación en el ámbito de los videojuegos de aventura conversacional y después aventura gráfica. En ambos, la pantalla servía de escenario para la toma de decisiones del jugador, que interactúa con más o menos naturalidad con otros personajes, a los que plantea incógnitas, pide ayuda y hasta engaña sigilosamente. Ese modelo de situación virtual, a su vez, ha estimulado de forma predecible determinadas redes sociales con más o menos desarrollo de lo explorativo, con la creación de submundos y subbterritorios en los que no nos encarnamos necesariamente a nosotros mismos ni vivimos literalmente nuestra ropia vida.

Montesinos, en su particular disquisición por los terrenos reticulares, plantea en esta exposición al menos dos modelos de aventura explorativa hipertextual, a saber: Narraciones caminadas y Si decides (Dio drama).


En Narraciones caminadas el artista se apropia de la estética pixelada y retro de los avatares del Hotel Habbo (una de las plataformas, junto a Second Life, de más éxito entre adolescentes para vivir una existencia paralela) para recrear la impronta de personajes reales a los que ha abordado mediante conversaciones registradas en diferentes puntos de largas caminatas en distintas ciudades. El vehículo de la acción es un mapa que se encuentra disponible tanto en papel como en su versión web, donde el interesado puede navegar de forma ordenada o aleatoria, acelerando o cancelando a voluntad la narración. Montesinos deja en los lugares donde transcurrieron los diálogos unas pegatinas diseñadas a tal efecto que marcan la localización GPS de los susodichos puntos de interés y conducen al viandante hacia el enlace de internet del proyecto, donde podrá asímismo visitar otras experiencias. En su conjunto, las narraciones caminadas de Montesinos poseen el atractivo (pese a las obviedades de algunas interlocuciones) de convertirse en una alternativa al mapa estandardizado de monumentos y lugares de interés; esto es, plantea la experiencia personal y la comunicación oral -con sus imperfecciones y sus giros imprevistos- en primera línea.


Si decides (Dio drama), por otro lado, es una instalación que trata de modular el espacio pulsándonos en el ámbito de nuestras determinaciones. Resuelve parte de la sala de exposiciones en una suerte de tablero de juego que recuerda en mucho a algunas obras de Catarina Campino (como su extraordinario Game of Life, el juego de la vida), donde la estética del modelismo (figuras minúsculas, edificios a escala resuelto con apenas unas cajas de cartón, árboles para ajardinar maquetas...) puebla una retícula entre hipodámica y futurista que puede aventurar algunas conexiones con la resolución en planta del Ensanche de Barcelona. Montesinos prefiere otorgar todo el protagonismo a la historia deslavazada y confusa, ramificada, con la que se nos invita a jugar, y ofrece un singular aspecto descuidado que posee cierto entronque con la visión acumulativa y caótica de un Thomas Hirschhorn, aunque en una economía de medios que se mantiene en el lenguaje más diáfano de Montesinos. En esta instalación, el espacio se ve invadido de cartelas con información básica, que nos sitúa en un punto de la narración y nos da opciones diversas o nos marca el siguiente punto en el itinerario. Al proponernos el juego, Montesinos consigue que la pieza en cuestión articule el territorio -aunque se trate de un territorio pequeño- y nos transmite la sensación, a pesar de ello, de la inabarcabilidad de las distintas experiencias.


Esa instalación con cinta americana nos conduce directamente a la serie de fotografías documentales que llevan por título Áreas gráficas, una visión retrospectiva de diversas intervenciones con vinilo adhesivo y cinta aislante en espacios concretos, donde la fascinación por el laberinto queda patente y se refleja una vez más que la propuesta lúdica del juego, al obligarnos a elegir, se constituye en una poderosa metáfora de la propia intención política.


Finalmente nos encontramos con la serie Lindes, un trabajo de fuerte carga estética y que manipula los mapas de Europa y España, respectivamente, para convertirlos en meros motivos pseudoornamentales. Al entrecruzarse, las cartografías nos resultan extrañas y generan estructuras simétricas de una rara belleza que nos aboca, antes o después, al famoso test de Rorschach. El propio artista afirma que dichas imágenes, sugerentes por cuanto detentan una valiente libertad, se ofrecen para la interpretación más subjetiva por parte del espectador. Antonio R. Montesinos es consciente, como artista de esta generación emergente, de la valiosa cualidad del receptor de la obra para acabarla, y quizá sea eso lo que le confiera más interés al conjunto de su discurso.



Fotografías de Pedro Alarcón por cortesía de Espacio Emergente Unicaja.


www.armontesinos.net


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Laberintos
El juego como arte / el arte como juego

PAIN 2.0

PAIN 2.0 es la secuela inevitable de PAIN, en la que sigo el patrón de un formato inamovible para todas las piezas, tal que un ejercicio de estilo constreñido a unas cuantas premisas. Los exvotos, las pequeñas historias de dolor, los retratos de amores frustrados y los lemas admonitorios convertidos en pequeños emblemas, puestos todos a un mismo nivel de representación.


Pequeñas planchas de contrachapado con una imprimación sobre las que dibujo de nuevo a pincel con tinta china; una vez acabado el dibujo, aplico varias capas de goma laca natural (método que en oriente sirve para barnizar y proteger superficies lígneas o de papel) que protegen y cristalizan el dibujo para siempre.

Por primera vez, estas obras quedarán a la venta en internet mediante un store online. Forman un conjunto de 75 piezas en total, que se irán exhibiendo en tandas sucesivas.


http://ped74.etsy.com

work in progress

Nunca se dio cuenta que la flaca le observaba...

Susy Gómez - El timón de mis almas

EXPOSICIÓN: Susy Gómez. El timón de mis almas. Cacmálaga. 03/04/09 - 28/06/09.

Al ver la reciente exposición de Susy Gómez en el Cacmálaga se reafirma uno en varias ideas más o menos claras que en torno a su lenguaje se había fraguado. Básicamente, y por el hecho de que sus obras se han convertido en esas series de habituales y reconocibles en las ferias, el trazado discursivo de la artista se adivina de lejos. Por un lado, sigo en la opinión de que Susy Gómez es una de esas creadoras con recetario, y de que se ha afianzado en una técnica redundante que parece no haber llegado todavía al canto del cisne. Por otro, sigo considerando que se sostiene en un cómodo esteticismo que se alimenta vorazmente de una actitud apropiacionista con pocos complejos.


Las piezas exhibidas son fotografías de gran formato que han sido tomadas de intervenciones previas sobre hojas de revista de la famosa Vogue, de lo cual conserva una textura de puntos propia de las imprentas cuatricromáticas. Gómez aplica densas capas de pintura sobre el acharolado soporte original y participa más o menos activamente en el craquelado de la superficie oleosa. Es en esta fase del proceso donde la artista parece haber alcanzado una cierta evolución: En la mayoría de los casos, la poética gestual y el atinado uso del incidente se erigen con una brillantez que en obras anteriores no había visto (siempre me habían parecido más planas, la pintura fotografiada más insulsa). Así, por obra y gracia de la sublimación (el golpe certero final por el que se amplía sustancialmente la imagen final), pequeños empastes y grietas u orificios practicados más o menos azarosamente adquieren una categoría nueva. Susy Gómez añade en esta ocasión diminutos objetos de un marcado valor sentimental -algunas alhajas familiares- y que, yuxtapuestos sobre la imagen pseudopictórica, marcan un punto de inflexión junto a la cera o la purpurina esparcidas.


No obstante, el punto pseudoterapéutico que la artista atribuye a sus últimas videocreaciones o el intimísimo título que acompasa a la portada del catálogo (una fotografía de su tía, a la que dedica la exposición) resultan anodinos para el público y poco reveladores. La exposición, en su conjunto, posee la elegante sofisticación que las imágenes ya desprendían antes de ser intervenidas, y el juego de Susy Gómez -de cierto interés- queda soslayado por la evidencia de la intención de estilo, una plaga más que apreciada en el coleccionismo contemporáneo.

Fotografías de Pedro Alarcón por cortesía de Cacmálaga.

www.cacmalaga.org

¿Has jugado al Critical Pursuit?

Tras varias horas de animado cotorreo, en algunos ágapes nocturnos se da la circunstancia de que la conversación se queda sostenida en un punto etéreo -todos se encienden el cigarro al mismo tiempo, todos se preparan el gintonic al unísono o todos miran a la vez la bandeja de entrada de su móvil por si recibieron un Sms en los últimos minutos-. Se saca pues a colación eso tan horrible de "ha pasado un ángel" y quizá se rescata un monólogo desde un punto ignoto de aquello de lo que alguien hablaba -alguna peripecia de su ya lejano viaje a China o alguna descripción pormenorizada de algún sarao al que se asistió-; en lo más profundo de la sinrazón, alguien trata de resetear la velada proponiendo cosas insípidas como buscar estulticias en youtube, y las parejas se miran con ojos de borrego adivinando a qué hora harán mutis por el foro.


Para todos esos casos recomiendo el Critical Pursuit, un juego de mesa improvisable para el que sólo se necesita que los comensales tengan en sus bolsillos uno o dos objetos de los que puedan desprenderse durante unos minutos, y un poco de cálida verborrea; la ingesta previa de vino o la enquina que se sienta hacia alguno de los participantes pueden aderezar el encuentro lúdico propiciando situaciones paradójicas inéditas. Como no ha sido una ocurrencia mía, contaré primero a quién pertenece el mérito.

Fue en la exposición de Madelon Vriesendorp (ver más) que nos topamos con una particular instalación; en ella las esculturas estaban realizadas en un material más que ligero, una especie de papel maché polícromo, de manera que sólo el aspecto ya invitaba a manipular los objetos y al menos alzarlos unos milímetros del suelo (en eso Anita es única; todo lo que ve lo palpusea, da lo mismo que se trate de un yeso nazarí de hace unos siglos como de su último sweater). La sala estaba recubierta de una suerte de tapete plástico que hacía de pedestal para las esculturas y al mismo tiempo se convertía en zona de tránsito toda vez que uno de los dibujos de la artista estaba colgado al otro lado.

Finalmente descubro que se trata de un juego al advertir que las instrucciones se hayan sobre la pared:


Cada uno de los jugadores, por turnos, debe elegir las figuras que utilizará; luego las situará según su parecer en el tablero de juego (en el que tienen vital importancia un tabique, una puerta y hasta la incidencia de la luz) en el orden que considere oportuno, dejando si así lo estima algunas figuras fuera del tapete. A continuación, el jugador sentado a su derecha (o a su izquierda, para el caso da igual) observará y analizará rigurosamente la instalación llevada a cabo y tratará de exponer a los presentes el sentido profundo que conllevan las figuras dispuestas de esa y no otra manera. Se puede echar mano al método freudiano, a interpretaciones paranoico-críticas, al sentido común, a la mala leche y a todo el bagaje que se arrastre tras de sí. Suelen sacarse a colación aspectos vitales que conocemos y pertenecían al mundo de los secretos, algún trapo mal lavado y hasta falsedades que pueden tener toda la gracia llegado el momento.


Al final de los turnos se vota por el psicoanálisis más completo o la crítica más desgarradora, y si alguien se niega a ser psicoanalizado puede ser obligado a fregotear los platos o cosas por el estilo. No tiene por qué haber ganadores, no existe una meta definida: Más bien el proceso del juego y tratar de superar las críticas anteriores se constituyen como objeto.


Existe una versión de andar por casa para los que no dispongan de esas esculturas de tamaño incómodo: Los jugadores extraen un par de objetos de su haber y los definen brevemente; un pliego de papel debidamente doblado hará las veces de pared, y un salvamantel mediano se convierte en un plisplás en el tablero de juego... no está mal documentar el proceso con fotografías, queda así el documento para el recuerdo, algo así como una carta astral improvisada. La Vriesendorp estaba tan enganchada a este juego que tomaba anotaciones dibujísticas en sus cuadernos captando la instalación final de todos de sus amigos cada vez que se reunían para tan refinado entretenimiento.



Fotografías tomadas en la exposición Paintings, postcards, objects, games [Pinturas, postales, objetos, juegos]. The world of [El mundo de] Madelon Vriesendorp. 1967-today [hoy]. Del 16/01/2009 al 22/03/2009. Kunsthalle, Basel, Suiza.


Fotografías tomadas de la web de la artista

http://www.madelonvriesendorp.com.



Otros textos sobre Madelon Vriesendorp en este blog:

Madelon Vriesendorp, Gabinete de Curiosidades.